Columna de opinión

Diversas circunstancias han propiciado que en pocos días haya visto la película japonesa “Hula girls”, la última del británico Ken Loach (“En un mundo libre…”) y “La leyenda del tiempo” de Isaki Lacuesta. Tres cintas de diverso tono y mentalidad, pero con puntos de conexión que reflejan nuestro mundo globalizado y el carácter transnacional que el cine está adquiriendo. La primera resonancia que me suscitó “Hula Girls” era el cine social de Loach, pero dejando la sensación de que su reconversión industrial se había descafeinado, de que el realismo y la cruda denuncia británicos habían dejado paso a la inocencia y sensibilidad nipona. Vemos que en el nordeste de Japón también se cierran minas de carbón y hay accidentes laborales, lo mismo que surge una jovencita que quiere hacer de “Billy Elliot. Quiero bailar” y desafiar las normas que la tradición marca. Sin embargo, los obstáculos familiares y sociales no pasan de ser una piedrecita en el camino, que la constancia y el tiempo diluirán, para terminar en un baile lleno de color, emoción y lágrimas —sin duda lo mejor de una cinta muy naif y previsible—. Nada que ver con la reivindicación, enfrentamiento y revuelta social que se respiraban en las cintas anglosajonas, sentimientos aquí sometidos y no mostrados, salvo con alguna bofetada, como exige su formación oriental en la abnegación y la discreción.

Mentalidad japonesa, profundamente sensible pero de una sobriedad extrema en sus apariencias, con delicados rostros que parecen frágiles cerámicas o frías máscaras de teatro de marionetas. Una aparente paradoja que se explica por su multisecular tradición, y que sufrió una asombrosa transformación hacia la modernidad con la “invasión cultural” norteamericana tras la 2ª Guerra Mundial. Pero también los japoneses nos han invadido con su tecnología y sus turistas —provistos de una cámara de fotos—, y han llegado hasta los más diversos rincones del planeta. De ahí su afán por empaparse y abrirse a las culturas más dispares, una actitud que en las cintas referidas les lleva, por ejemplo, a importar el baile hawaiano “hula” o el flamenco de la isla de San Fernando. Esto es lo que le llamó la atención al catalán Isaki Lacuesta y lo que plasmó en “La leyenda del tiempo”, una película de registro documental que recoge dos historias, una de ellas centrada en Makiko, una joven enfermera japonesa que lo abandona todo para venir a la isla de Camarón y aprender directamente su cante. Detrás de este viaje se adivina, como en el de sus compatriotas que asisten a clases de baile flamenco, un deseo de expresar la riqueza de sentimientos que llevan dentro, de encontrar nuevos cauces para dar salida a un volcán de emociones, dormido pero no muerto. Ahora bien, ¿qué saldrá de esta simbiosis artística entre el formalismo ritual japonés y la improvisación-explosión vitalista de lo hawaiano o flamenco? Será interesante seguir su estela.

En la imagen: Fotograma de “Hula girls” - Copyright © 2006 CineQuanon, Happinet y SDP. Distribuida en España por Mediatres Estudio. Todos los derechos reservados.

“27 vestidos” llega a nuestro país después de obtener un gran éxito en los Estados Unidos, si bien su tráiler no es que precisamente llame al entusiasmo (salvo por alguna que otra honrosa excepción, el género de la comedia ya no es lo que era, dominado por cintas juveniles y propuestas facilonas). A quien no le gusten este tipo de producciones, puede optar por ir a echarle un vistazo a una película de ciencia-ficción: “En el punto de mira”. No, no me he vuelto loco respecto al género del film, lo que sucede es que esas imágenes que hemos contemplado en los avances y en las que un buen número de españoles reciben como si de una estrella de cine se tratara al Presidente de los Estados Unidos… ¡son sencillamente surrealistas!

Más pereza me da “Las hermanas Bolena”, sobre todo porque el cine histórico se está tomando no pocas licencias últimamente (creo que ya he tenido suficiente con “Elizabeth: La Edad de Oro”). Mientras tanto, llega a la cartelera otra película de vampiros (“Rise: Cazadora de sangre”), apenas unas semanas después del estreno de “30 días de oscuridad” (¡felicidades a los fans de este género!). Curiosamente, una de las protagonistas de este último largometraje, Melissa George, también aparece en el thriller “wΔz”. Como decía nuestra compañera Tònia en el blog de noticias, «no sabemos si [esta actriz] disfrutará pasando miedo (o, mejor dicho, haciéndoselo pasar al público) o es que a la pobre mujer únicamente le ofrecen papeles en producciones del género».

En la imagen: Melissa George en “wΔz” © 2007 Vértigo Films. Todos los derechos reservados. Katherine Heigl en “27 vestidos” © 2008 Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.

¡Madre mía, qué malas son las resacas! Después de tantas semanas de estreno de campanillas, toca el reflujo, que no en vano estamos en tierra de nadie, entre la temporada Oscar® y los estrenos semanasanteros. Así que no es de extrañar que todo sea un poco liviano, y que incluso los grandes estrenos de la semana lo sean, pero un poco menos: “Las hermanas Bolena”, por ejemplo, juega con el atractivo de ver juntas a Natalie Portman y Scarlett Johansson, dos jóvenes actrices que cautivan no sólo por sus interpretaciones. Claro que, para completar el arco de intereses visuales, van acompañadas de ese estupendo actor que es Eric Bana y con la marca británica de la casa en la reconstrucción de época. Todo ello hace un cóctel aparente que, sin embargo, no sé muy bien por qué no acaba de sonar bien del todo… en unos días informaremos.

El otro estreno hollywoodiense es “En el punto de mira”, algo así como un “Rashomon” pero en torno a un atentado contra el presidente norteamericano en (¡nada menos que!) una Plaza Mayor de Salamanca de cartón-piedra digital. Desde luego, el reparto no tiene desperdicio; y veremos si con Pete Travis, director de “Omagh”, se repite la historia de Paul Greengrass y le sienta bien su trasplante a Estados Unidos. Del resto destaca “Buda explotó por vergüenza”, premio Especial del Jurado en el último Festival de San Sebastián, firmado por una joven con apellido ilustre: Hana Makhmalbaf. Y sí, también llega la inevitable pedrea de títulos de miedo que, la verdad, dan bastante pereza.

En la imagen: Ana Torrent en “Las hermanas Bolena” - Copyright © 2007 Universal Pictures International, Columbia Pictures, BBC Films, Relativity Media, Ruby Films y Scott Rudin Productions. Foto por Alex Bailey. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

Aparte de la cintas que abordan directa o tangencialmente el suceso del 11-S, parece que el cine norteamericano vuelve a ser espejo e instrumento para la refundación de los Estados Unidos. Ya lo fue en sus primeros momentos, cuando el western narraba la génesis de una civilización que se abría paso hacia el oeste —la frontera—, para después hurgar en los bajos fondos de las ciudades y dar origen al cine de gánsters y negro. Eran tiempos de forja de un Estado de prosperidad y libertades, de gentes que se hacían a sí mismos y vendían optimismo e ideales al mundo entero. Pero el tiempo pasó, llegó Vietnam y la Guerra Fría, y más tarde la crisis del petróleo…, y el cine comenzó a reflejar también una pérdida de ilusión, y apareció cierto escepticismo y temor en la joven nación americana, aunque el peligro estaba aún lejos. Con el nuevo milenio algo pareció cambiar cuando las Torres Gemelas se vinieron abajo, y su seguridad en sí mismos también se derrumbaba. Era preciso volver a andar el camino recorrido, empezar a mirar al exterior sin altivez y al interior sin ingenuidad: una vía de autocrítica que cuestionase sus orígenes, sus métodos, su filosofía política: Gus van Sant, Martin Scorsese y Ridley Scott firmaban, entre otras muchas, cintas como “Elephant”, “Gangs of New York” o “American gangster”, respectivamente.

Por eso, no extraña que ahora hayan concurrido en su carrera hacia los Oscar® varios títulos que respiran la misma necesidad de espacios abiertos como los del Monument Valley de John Ford, de una frontera móvil hacia la que huir y donde tomar aire o hacer fortuna, y de una violencia y ambición que respondan a pulsiones interiores de individuos inquietos y desorientados, cuando no paranoicos. Ahí están el psicópata asesino que encarna Javier Bardem en “No es país para viejos”, un individuo desarraigado e imprevisible; o el avaricioso sin escrúpulos que se alía con cualquiera con tal de lograr su sueño, y que le ha dado a Daniel Day-Lewis su estatuilla por “There will be blood (Pozos de ambición)”; o también el cobarde Robert Ford que mató por la espalda a su admirado Jesse James, para ocupar su puesto de gloria en la Historia; por no hablar del lujurioso juez y su vengativo y criminal barbero Sweeney Todd que Tim Burton acaba de llevar a la pantalla. Individuos sin moral ni raíces, con venganza y violencia en las venas, auténticos centauros del desierto que parten hacia California en busca de petróleo, hacia El Paso para recuperar una maleta llena de dólares, o que vuelven a su Londres natal para saciar su sed de sangre.

En esta nueva búsqueda de identidad, de contenido a una vida vacía o de una seguridad que no tienen, hay también “nuevos americanos” que deciden emigrar a tierras vírgenes. Es la opción del joven Christopher McCandless, que cogió sus maletas —mejor dicho, que quemó sus maletas— para cruzar la frontera de la civilización corrupta o hipócrita, y fundirse en la Naturaleza pura de Alaska. Un viaje a su propio interior o a ninguna parte, porque —como sus colegas de ficción— la muerte le sobrevino en la mayor de las soledades y desamparos: Chigurh o el propio sheriff Bell, Robert Ford, Sweeney Todd, Christopher, Daniel Plainview… individuos desclasados y al margen de la comunidad (tan nuclear en el cine de Ford) y del sistema…, en definitiva, fracasos del sueño americano.

En las imágenes: Arriba, momento del rodaje de “American gangster”; abajo, fotograma de “Hacia rutas salvajes” © 2007 Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

Una vez más se repite la historia: los chicos que irrumpieron en el panorama cinematográfico con su mirada desinhibida, desacomplejada y fresca, con una mezcla de dominio, respeto y burla de todos los referentes de la Historia del Cine, han terminado obteniendo el reconocimiento institucional con el que, quizá, nunca soñaron cuando empezaron. Porque la lluvia de Oscars® derramada sobre los hermanos Coen (de hecho, hasta tres veces subieron al escenario para recoger otras tantas estatuillas) por su última y prodigiosa obra, “No es país para viejos”, viene a certificar lo que ya el estilo de la cinta anunciaba: los Coen son, en la actualidad, unos clásicos. Maravillosamente clásicos, es verdad, pero clásicos al fin y al cabo. La vanguardia ya no pasa por ellos.

Y no es extraño que sea por la película que seguramente más abdica de lo que hasta ahora habían sido las líneas maestras de su filmografía. Un título en el que no pretenden revertir el material original (la novela original de Cormac McCarthy), dándole nuevas lecturas o buscando huecos para la desmitificación postmoderna. No, aquí ellos se rinden a lo que las páginas sugieren, y ponen todo su inmenso talento (que no siempre parecen dispuestos a exhibir) para levantar una cinta en la que lo escrito cobra vida de una manera que en muy escasas ocasiones nos había sido concedido ver. En definitiva: negándose a sí mismos, han superado las desvaídas caricaturas que eran sus últimos filmes, y, paradójicamente, han levantado una de sus pocas y verdaderas obras maestras. No muchas veces unos galardones, a la hora de certificar la defunción de un estilo, habían alumbrado algo tan potente. Estos Oscars® están llamados a dejar huella.

En la imagen: De izquierda a derecha, Joel Coen, Javier Bardem, Josh Brolin, Kelly Macdonald y Ethan Coen en el 60º Festival de Cannes © 2007 Buena Vista International. Foto por MJ Kim. Todos los derechos reservados.