De un tiempo a esta parte, la promoción de los films ha engordado hasta límites insospechados, y el marketing ya no sabe qué inventar. Todo sirve para vender más: a veces parece que la calidad del producto es algo secundario, y que lo esencial es hacer una buena campaña —muchas veces supone incluso la mayor partida del presupuesto—, que llegue al potencial espectador y le genere la necesidad de ver tal película… que es “la película del año” (en esto también cine y fútbol se parecen, como entretenimiento popular). El asunto es que se hable de ella, y no importa tanto si es para bien o para mal. Hace semanas que ha comenzado la promoción de “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”, y los tráilers y declaraciones se suceden para enganchar a las nuevas generaciones. Quizá por eso George Lucas se haya lanzado a alertar sobre las excesivas expectativas (¿?) que está suscitando… diciendo que «solo se trata de una película», o «solo la hemos hecho por diversión, y no habrá mucho dinero para nosotros al final; no lo hacemos por dinero». Como para creérselo… ¡lo que hay que hacer para llamar la atención! No sería malo ganar dinero, siempre que no se dé gato por liebre, y no sea mejor el sobre que la carta. Ya veremos.

Pero la publicidad tiene sus armas, y a veces cuesta adivinar las intenciones de las distribuidoras. Por eso me entran las dudas cuando también estos días se ha promocionado “Despierto” —esa película sobre un paciente que es operado creyendo que está realmente anestesiado—, y se advierte que «no es recomendable para aquellas personas que vayan a ser intervenidas quirúrgicamente en breve». Parece claro que puede ser oportuno y necesario decirlo, aunque ¿no se estará buscando un público más masivo, precisamente aquél que no va ser operado en breve y que busca experiencias… en cuerpo ajeno? Todos hemos visto cómo algunas cintas han aprovechado unas veces la polémica como escaparate (“La Pasión de Cristo”), cómo a otras les ha bastado con atacar abiertamente a la Iglesia Católica (“El código Da Vinci”, “El crimen del padre Amaro”) o provocar algunas reacciones innecesarias y un tanto ingenuas para incrementar la taquilla (“La brújula dorada”), y también cómo ha habido quien, como Ang Lee con “Deseo, peligro”, se ha servido primero de la aparición de escenas fuertes de sexo y después de su mutilación en la versión censurada para China, como altavoz para venderse mejor. Unas formas de promoción que muchas veces dejan de lado la verdad —por supuesto, también las hay honestas—, porque su objetivo principal es el dinero: resulta preocupante hasta dónde nos lleva cierto capitalismo.

En la imagen: Fotograma de “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” © 2008 Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Despierto” © 2007 Aurum. Todos los derechos reservados.

La muerte de Rafael Azcona nos sorprendió a todos. El que durante tanto tiempo había sido uno de los grandes desconocidos del cine español, por su renuencia a aparecer en público, se había habituado a dejarse ver, quizá porque, consciente de su enfermedad, pensaba que tampoco estaba mal disfrutar algo del reconocimiento que toda la profesión le debía. Si los guionistas, a pesar de su importancia, suelen formar parte del ejército de olvidados por unos aficionados que apenas solemos ir más allá de los actores, el director o, como mucho, el compositor de la banda sonora, él logró convertirse en referencia indiscutible, gracias a sus magistrales guiones para Luis García Berlanga, Fernando Trueba, Marco Ferreri… No todo lo que firmó fue imprescindible, pero ya le gustaría a la mayoría de los escritores haber creado la mitad de líneas inolvidables que él.

Sin embargo, hay un Azcona que terminó de rendirme. Se repite muchas veces, tal vez demasiadas, y sobre todo en el caso de las defunciones, lo extraordinaria persona que era alguien, sea con razón o no. Pero en su caso, hubo una entrevista que me rindió totalmente. Es media hora de una de las conversaciones más sensatas, honestas, divertidas y geniales que he visto nunca; ocurrió en el programa “El reservado”, que presenta Luis Alegre en Aragón Televisión, y sólo por oírle mencionar que es una tontería decir que España no trata bien a sus genios porque él aún tiene que trabajar, en un país donde cualquiera con cuarto y mitad de éxito se cree William Shakespeare u Orson Welles, porque al fin y al cabo él podía haber tenido un puesto administrativo tranquilo y prefirió elegir el camino del cine, merece la pena. La descubrí en el blog del amigo Crunch y me parece de justicia volver a recordarla. Si tenéis media hora que invertir en algo divertido, pinchad aquí para verla. No os arrepentiréis: es Rafael Azcona el que habla.

En la imagen: Rafael Azcona en el programa “El reservado” - Copyright © 2007 Televisión Autonómica Aragón. Todos los derechos reservados.

Después de esa atonía semanasantera, que dejó la cartelera de la pasada semana reducida a un volumen mínimo —solo seis títulos nuevos en pantalla—, parece que asistimos este viernes a una evidente recuperación, tanto en lo que se refiere al número de producciones (volvemos a ese estándar situado alrededor de la decena de películas) como en diversidad temática y genérica (hay, prácticamente, y como en botica, de todo, aunque siga siendo ostensible —y no parece que vaya a ser “reparada” hasta dentro de algunas semanas— la ausencia de alguna muestra notable de cine español). De tal diversidad ya ha dado buena cuenta mi compañero Miguel A. Delgado en su reseña sobre los estrenos de la semana; así que, para evitar redundancias, y una vez más, fijaré mi atención en un título muy concreto, uno que llama de manera más específica mi atención, aunque no sea, precisamente, por su previsible calidad cinematográfica. El film en cuestión no es otro que “Casi 300″, la enésima parodia de recientes éxitos perpetrada por la factoría Fox, y que, en principio, y en línea con lo que, en este mismo blog, apunta mi otro compañero Joaquín R. Fernández, está destinado a proporcionar a sus promotores tan escasa gloria artística como pingües beneficios económicos.

Aun siendo consciente de cuán subjetivo y difícil de calibrar es eso de la sensibilidad humorística (tan de cada cual…), a este comentarista no deja de sorprenderle que productos de este corte —cuyas tendencia y querencia por el trazo grueso no creo que quepa ser negado ni por sus más acérrimos seguidores— todavía sigan manteniendo, después de tantos años —hay que tener en cuenta que el inicio y eclosión de este que podríamos calficar como subgénero, se remonta ya a un par de décadas atrás, aproximadamente—, su pujanza comercial (no cabe duda alguna de que estas películas, si se siguen haciendo, es porque continúan dando un rendimiento sustancioso), en estos tiempos tan cambiantes, volátiles y tornadizos, en que toda moda deja paso a la siguiente a una velocidad de vértigo. ¿Estaremos, pues, ante una línea de comedia destinada a convertirse en un género definitivo, de implantación permanente? Quién sabe, aunque lo dudo. En todo caso, tiempo al tiempo: igual nos encontramos aquí mismo, dentro de ocho o diez años, hablando de “Casi 400″ ó “Casi 500″…

En la imagen: Fotograma de “Casi 300″ - Copyright © 2008 Regency Enterprises, New Regency y 3 In The Box. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.

Les aseguro que cada vez que veo el tráiler de “Casi 300″ en las salas de cine… ¡siento vergüenza ajena! Uno ya ha soportado tonterías del calibre de “Epic movie” o “Date movie” (reconozco que esta última ni siquiera llegué a terminarla, algo que no suelo hacer muy a menudo), así que, de momento, ya tengo suficiente con este tipo de propuestas (encima da la casualidad de que precisamente este fin de semana se estrena en los Estados Unidos “Superhero movie”; ¡cómo está el patio!).

Entretanto, dos aspirantes a convertirse en futuras estrellas de Hollywood, Hayden Christensen y Jessica Alba, se unen en “Despierto”, un thriller que tiene toda la pinta de ser bastante convencional. Ambos han estrenado hace poco “Jumper” y “The eye (Visiones)”, siendo su suerte en la taquilla bastante discreta. “La noche es nuestra” es uno de esos dramas cuyo argumento me provoca no poca pereza, aunque no tanto como la nueva comedia familiar de Disney: “Papá por sorpresa”. Desde luego, si me tuviera que quedar con una de las novedades de las que llegan a la cartelera mañana viernes, la elegida sería “Love & honor”, si bien mucho me temo que apenas se exhibirá en un puñado de salas. ¡Pobre Yôji Yamada!

En la imagen: Fotograma de “Casi 300″ © 2008 Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Despierto” © 2007 Aurum. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Love & honor” © 2006 Notro Films. Todos los derechos reservados.

Una de esas películas que prometen: por los nombres del cartel (Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Eva Mendes ¡y Robert Duvall!), por el argumento (dos hermanos hijos de un carismático policía que deben tomar postura ante la auténtica guerra no declarada que supuso la irrupción de riadas de crack en las calles del Nueva York de finales de los ochenta) y porque puede ser la confirmación de James Gray, un director que ya apuntó maneras en su anterior película estrenada entre nosotros, la ya un poco lejana “La otra cara del crimen” (2000). La cinta que responde a tan jugosa descripción se llama “La noche es nuestra”, y nos llega este fin de semana. A ver si las expectativas se cumplen, que los cinéfilos andamos un poco necesitados de material de calidad para nuestra afición, un tanto alicaída en las últimas semanas.

Y la cosa viene acompañada de un puñado de cintas exóticas: dos documentales (“Regreso a Normandía”, la nueva entrega de Nicolas Philibert, responsable de aquella joya que era “Ser y tener”; y “Oro negro”, sobre el tremendo comercio que supone el cultivo y comercialización del café); una japonesa que cierra la trilogía de Yôji Yamada sobre los samuráis (“Love and honor”); y una rumana que intenta, suponemos, subirse al carro del pequeño boom que está viviendo la voluntariosa y exigua cinematografía de aquel país (“Love sick”). Y otras tan poco exóticas como predicibles: “Casi 300” y la enésima parodia de los éxitos de la última temporada (¿o habría que decir, simplemente, que es la última de Carmen Electra?); una nueva y bienintencionada entrega made in Disney (“Papá por sorpresa”)… y el perezas de Hayden Christensen bajo el paradójico título de “Despierto”, cuya sosez, me temo, no salva ni la presencia de Jessica Alba (aunque tampoco vamos a decir que ésta sea un dechado de interpretación, la verdad…)

En la imagen: Joaquin Phoenix y Eva Mendes en “La noche es nuestra” - Copyright © 2007 Columbia Pictures y 2929 Productions. Fotos por Anne Joyce. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

Acaba de estrenarse recientemente “Horton”, película de animación destinada a un público eminentemente infantil. Es la enésima llamada a creer en lo que no se ve, a la confianza en el poder de la imaginación, al respeto de los aparentemente menos útiles, al apoyo de los marginados o de los más necesitados. Mensajes y valores formativos para un público que da sus primeros pasos, que debe ser educado en lo políticamente correcto y en lo solidariamente aceptado, en los buenos sentimientos y en las mejores intenciones. Estupendo y magnífico: los niños se merecen eso y mucho más, puesto que están en edad de crecer y hay que darles buenos alimentos. Pero, ¿qué pasa después? Está claro que no siempre han de tomar leche y papilla, y que prepararles para la vida exige darles alimentos sólidos y nutritivos…, no cerrarles los ojos ante la realidad que se encontrarán, pero ¿por qué el cine para adolescentes se convierte de pronto en un terreno abonado de superficialidad, con una comedia frívola y un cine de alienígenas terroríficos? ¿por qué ese cambio brusco conlleva un vaciamiento de “humanidad” en esas propuestas? Y en un segundo momento, ¿cómo puede derivar hacia la sordidez y los “contra-valores” como pautas más frecuentadas por un cine “adulto”, que rechaza cualquier atisbo de sentimiento y optimismo, que ve con menosprecio cualquier planteamiento moral en sus personajes? ¿Cuándo se desquicia el cine, y por qué esta esquizofrenia?

Ciertamente el planteamiento de “Horton” es sencillo y esquemático, dulce e ingenuo, pero sus ideas de respeto a la vida, de crítica a una “clase política”, de rechazo al materialismo y al enfoque pragmático… bien podrían presentarse metafórica y artísticamente para un público maduro… (de hecho, algunas películas de animación admiten una segunda y enjundiosa lectura… y ya es hora de que dejen de ser consideradas “para niños”). Pero volviendo al quid de la cuestión, parece claro que en algún momento la industria decide abandonar su función “educativa”, para asumir únicamente la de “negocio” y dar al espectador lo que éste pide: sensaciones fuertes en forma de violencia o sexo, alguna experiencia “extrasensorial” que le conecte con el más allá, o una ventana por la que veamos lo mal que está un mundo corrupto que funciona entre deslealtades y ambiciones maquiavélicas. Desde luego, así no arreglaremos esta sociedad que algunos tachan de podrida y que dejan en manos de una canguro cizañera y escéptica. Definitivamente, el cine necesita más individuos como Horton, más familias increíbles que se muevan en un mundo de fantasía como el de Villaquién, y a la vez en otro tan real y verdadero como el nuestro.

En la imagen: Fotograma de “Horton” - Copyright © 2008 20th Century Fox y Blue Sky Studios. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.

El reciente fallecimiento de Arthur C. Clarke vuelve a poner sobre el tapete una discusión que viene a ser, más o menos, como la del huevo o la gallina: ¿quién es más verdadero creador de “2001: Una odisea del espacio”, el escritor o Stanley Kubrick, el director? Uno, secretamente, siempre ha pensado que en realidad el cineasta, tan déspota como sólo lo pueden ser los verdaderos genios, llevó el agua del cuento inicial de Clarke a su molino, expandiéndolo mucho más allá de lo que seguramente pensó el visionario inglés que podía llegar. ¿Pruebas de lo que afirmo? Ninguna, claro. Huelga decir que uno no estuvo presente en las sesiones de trabajo entre los dos creadores, y desde luego es algo que no cabría recomendar a nadie: no parece posible salir indemne del choque de trenes de dos personalidades tan complejas, de dos egos tan solemnes y de una pieza.

Ahora bien, basta echarle un vistazo a las continuaciones de la novela original, ya sin el concurso de Kubrick, y especialmente a la primera, “2010, odisea dos” (igualmente llevada al cine) para darse cuenta de que la mirada de Clarke era más convencional, más ceñida al punto de vista de la ciencia-ficción tradicional (todo eso, claro, suponiendo que Kubrick supiera verdaderamente de qué estaba hablando, algo que, lo confieso, no siempre tengo el convencimiento absoluto de que fuera así, como me sucede por otro lado con el cine de David Lynch). Y además, porque algo así ocurrió con la adaptación del relato “Los superjuguetes duran todo el verano”, de Brian Aldiss, y que sirvió de base para la película “A. I. Inteligencia artificial”, un viejo proyecto de Kubrick que acabaría viendo la luz bajo la batuta de Steven Spielberg. Y que conste que, sinceramente, tampoco es que importe mucho; sólo espero que por fin David Fincher logre sacar adelante la adaptación de “Cita con Rama” para ver una genuina y poderosa obra clarkiana en pantalla… a no ser que Fincher sea efectivamente un Kubrick redivivo, como parece llevar camino de serlo, y vuelva a hurtarle al pobre Arthur su parte de autoría. Comprobarlo será, desde luego, apasionante.

En la imagen: Keir Dullea en “2001: Una odisea del espacio” - Copyright © 1968 Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Polaris y Stanley Kubrick Productions. Todos los derechos reservados.

En una semana en la que tradicionalmente se celebra la muerte y resurrección de Jesucristo, el cine ha aprovechado esa circunstancia para tener sus propios pases de Semana Santa, adscritos a tantas “cofradías” como escuelas y épocas. La temática religiosa, con la historia de la Pasión en primer término, siempre fue uno de los lugares más frecuentados por el cinematógrafo. No en vano, sus comienzos están ligados a esa voluntad de acercar esos hechos históricos al pueblo creyente en una labor catequética, la figura de Jesucristo ha sido la representada con mayor frecuencia en la historia del cine —hasta 212 películas—, y en torno suyo han surgido festivales como la primitiva Seminci o la actual Semana de Cine Espiritual de Barcelona.

En la pantalla, auténticos artistas han dejado su impronta junto a escenas de la vida de Jesús, intentando volver a contar lo ya conocido por todos, sin buscar un suspense ante un final ya conocido, sin sorpresa en unos diálogos fijados de antemano. Con ese material como punto de partida, ¿qué puede mover al cineasta a volver sobre un terreno tan trillado? ¿por qué directores de la talla de Carl Theodor Dreyer tenían como su proyecto más ambicioso y atractivo —que no pudo finalmente llevar a cabo— hacer una vida de Jesús? Parece que el tema se presenta como un reto para el cineasta, que puede profundizar y bucear un poco más en el alma de alguien que asume todo lo humano para llevarlo a la infinitud divina —esa es la creencia cristiana—, y donde descubrir alguna riqueza más acerca de la propia identidad del hombre. Por eso, siempre se puede volver a contar “La historia más grande jamás contada”, que diría George Stevens.

Unos preferirán la fisicidad y realismo de Pier Paolo Pasolini en “El Evangelio según San Mateo”, otros el esteticismo del “Jesús de Nazareth” de Franco Zeffirelli, y otros la espectacularidad de Hollywood recogida por Nicholas Ray (“Rey de reyes”) o Cecil B. De Mille (“Los diez mandamientos”). Más recientemente, Mel Gibson sorprendió a todos con “La Pasión de Cristo”, construida en un difícil equilibrio entre el hiperrealismo de sus escenas y la profundidad de unas miradas que trasmitían verdadera vida interior. Sea como fuere, la Semana Santa —como la Navidad— ha sido siempre un momento adecuado para este cine religioso, y la Pasión su filón cinematográfico más importante. Podría seguir siéndolo, en la dosis adecuada, también en nuestra sociedad actual, un poco secularizada, paganizada o laicista, porque hablar de Jesucristo supone también hacerlo del hombre…, y eso no se pasa de moda, aunque la espiritualidad pueda diluirse y adopte formas no del todo canónicas.

En las imágenes: Arriba, ”El Evangelio según San Mateo” - Copyright © 1964 Arco Films y Lux Compagnie Cinématographique de France. Todos los derechos reservados. Abajo, “La Pasión de Cristo” - Copyright © 2004 Aurum. Todos los derechos reservados.

Aún en periodo de resaca electoral y con la intención de completar la trilogía sobre cine y democracia abordada en este blog, me parece oportuno traer a colación —ahora que ya ha pasado el 9-M, y sin intención de hacer política— algunas de las reacciones del mundillo cinematográfico sucedidas en estos días. Es bien conocida la postura mayoritaria de los artistas y del mundillo del cine aglutinada en torno a PAZ en apoyo del candidato socialista, así como las reiteradas manifestaciones de algunos cineastas, actores… en contra de un partido o a favor de otro. Nuestro compañero José Arce recogía la rueda de prensa que Antonio Hernández ofreció para presentar su película “El menor de los males”: en cierto momento de la misma, el director apunta que «afortunadamente no ha hecho falta [estrenarla antes de las elecciones], (…) existe más perversión en una derecha que puede llegar a justificar lo injustificable»; sus declaraciones no tienen desperdicio en cuanto a su posicionamiento político, y es libre para pensar como quiera.

Lo que me cuestiono es la oportunidad, modo, lugar de manifestarlas. Y lo hago en este caso como en cualquier otro, vengan de donde vengan las declaraciones, descalificaciones y ataques. Y eso porque este director que coge el micrófono en una rueda de prensa, como aquel actor que lo hace en una Gala de los Goya o cualquiera que aprovecha una desastrosa guerra para… hacer otra guerra por su cuenta, tomar partido en banderías que nada tienen que ver con el cine o el arte, aprovecharse de su posición para fines particulares… desvirtúan lo que yo entiendo por categoría intelectual, artística, personal. Un director, un actor, un guionista, un cantante… deben hablar de su trabajo, de aquello de lo que saben y que les ha procurado su prestigio y admiración. Pero si entran en otros campos que no son los suyos, donde no se espera que nos den sus ideas —tan válidas como las de cualquiera, no más—, se equivocan en el foro y provocan recelos al dejar ver los prejuicios con que trabajan. Está claro que cada uno puede pensar lo que quiera, y que trasmitirlo a través de sus películas es inevitable y hasta coherente, pero también parece exigible a tal colectivo que no se ponga a hacer campaña aprovechando su estatus social. Personalmente, opino lo mismo se llame PAZ o PAR el movimiento artístico-político, porque es cuestión de planteamiento y oportunidad, no de ideas.

En la imagen: Antonio Hernández durante el photocall de la presentación de ”El menor de los males”, el 12-03-08 en Madrid. Foto por Ralf Pascual - Copyright © 2008 LaButaca.net. Todos los derechos reservados.

Sí, sí, no se han equivocado de titular. Ya sé que no resulta muy popular que uno diga estas cosas, pero, sinceramente, me da la impresión de que la única manera de que el espectador se asuste viendo “Llamada perdida” en el cine es que mantenga encendido su teléfono móvil y tenga la suerte de que le llamen mientras está viendo la película en cuestión. Si alguien conoce alguna asociación contra los remakes de los largometrajes orientales, por favor, que me avise, pues creo que soy víctima de los trastornos de este tipo de vacuos productos (sopor e irritación, entre otros).

Desde luego, mi recomendación es que vayan a echarle un vistazo a “Como la vida misma”, uno de esos títulos que, aun sabiendo que no es ninguna maravilla, al menos se deja ver con agrado. Peor pinta tiene “Seda”, cinta canadiense, italiana y japonesa que recibió todo tipo de varapalos por parte de la crítica y que fracasó en la taquilla, recaudando alrededor de cinco millones de dólares en los países que precisamente la produjeron, cuatro veces menos de lo que costó. Parece que el nombre de Keira Knightley aún no es lo suficientemente importante como para arrastrar al público a los cines…

En la imagen: Fotograma de “Como la vida misma” © 2007 Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Llamada perdida” © 2008 Warner Bros. Pictures International España. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Seda” © 2007 TriPictures. Todos los derechos reservados.