Columna de opinión

Vuelve el título que colocó a Wes Craven en el panorama internacional, remozado para los nuevos tiempos con una estética cuidada y un gusto por los detalles que lo convierten en un entretenimiento adulto de lo más recomendable.

En 1972, un Wes Craven pre-Krueger presentaba, auspiciado en la financiación por un Sean S. Cunningham pre-Voorhes, una pequeña producción destinada a convertirse con el tiempo en un mini clásico del horror, una verdadera patada en el estómago de la industria cinematográfica más recordada por su crudeza y brutalidad que por sus méritos artísticos, todo hay que decirlo, y porque llegó en un momento dominado por el descontento en el americano de a pie, hastiado de Vietnam y de las desigualdades y los conflictos sociales. En ese marco convulso, “La última casa a la izquierda” se antojó revolucionaria por lo radical de la propuesta, poniendo en el punto de mira del aficionado a los dos responsables del proyecto. Casi cuarenta años después, la situación no ha cambiado demasiado, más bien todo lo contrario, extremada nuestra realidad hasta lo exasperante. Sin embargo, donde aquel tándem fue pionero en cierto modo, las diferencias en intención de este remake que ahora llega de la mano de Dennis Iliadis solapan sus posibilidades de ser recordado en el tiempo, a pesar de superar técnicamente la fuente original.

Mari (Sara Paxton) y Paige (Martha MacIsaac) son atacadas brutalmente por una pandilla de energúmenos comandados por Krug (Garret Dillahunt). El azar quiere que los asaltantes busquen refugio en una noche tormentosa en la casa de los padres de la primera, parentesco que, obviamente, desconocen. Cuando los progenitores (Tony Goldwyn y Monica Potter) se dan cuenta de lo que ha pasado, les será realmente complicado contener sus ansias de venganza. “La última casa a la izquierda” queda como un caso curioso de cine que busca escapar a los parámetros que se le presuponen y se enfrenta de manera esforzada y peculiar a los recursos con que cuenta para conseguirlo. La puesta en escena del realizador es clara en su disposición, menos sucia de lo que hubiera sido deseable pero cuidada y casi impecable por lo elaborado, adornada por una banda sonora que alterna recuerdos industriales con acordes dramáticos que envuelven determinados pasajes en un halo fatal ciertamente efectivo; sin embargo, es precisamente esa búsqueda de un prisma trágico ─necesario, por otra parte─, la que se diluye un tanto cuando el auténtico motor de la historia, la venganza incuestionable, se revela con toda su fuerza. Leer más »

La peculiar manada digital regresa una vez más para descubrir bajo el hielo un mundo perdido y ancestral. Diversión veraniega para toda la familia, sin más pretensiones que entretener, aunque un tanto reiterativa y estancada.

Manny (voz de Ray Romano en su versión original) y Ellie (Queen Latifah) van a tener un bebé. Diego (Denis Leary) siente que los años se le vienen encima y decide abandonar la manada. Sid (John Leguizamo) ansía formar su propia familia, atemorizado ante la posibilidad de verse desplazado por sus amigos al aumentar su propio clan… En definitiva: las cosas están cambiando para todos, especialmente cuando unos huevos de Tiranosaurio entran en escena y lo ponen todo patas arriba. “Ice Age: El origen de los dinosaurios” se enfrenta al reto intrínseco que conlleva perpetuar una saga taquillera y exitosa a pesar de no alcanzar las calidades técnicas y artísticas de otras rivales y compañeras ─léase Pixar o DreamWorks Animation─, esto es, aumentar de manera exponencial y progresiva los niveles de espectacularidad, acción y diversión de sus hermanas predecesoras, dificultad potenciada por el hecho de que el entorno en el que desarrollan los acontecimientos no debe repetirse una vez más ante el riesgo de provocar el aburrimiento del palco adulto, responsable final de los resultados económicos de la propuesta al decidir en última instancia qué título disfrutarán en compañía de los pequeños de la casa.

Y en ese sentido la propuesta cumple, principalmente por el esfuerzo puesto por el equipo comandado a cuatro manos por Carlos Saldanha y Mike Thurmeier a la hora de lograr un mayor empaque visual en un conjunto beneficiado enormemente por la entrada en escena de nuevos personajes ─especialmente Buck, que con la voz del siempre genial Simon Pegg se convierte en un descacharrante y lunático Ahab a la caza de una ballena que adquiere aquí la forma de tremendo y albino monstruo ancestral─ que se enmarcan en un mundo subterráneo que explota de manera consistente y contundente las posibilidades de la última tecnología animada. Nos sumergimos con la peculiar pandilla en una frondosa selva repleta de nuevos animales prehistóricos, abundante en fragorosa vegetación e ingente en texturas, pelajes, reflejos y recursos diversos que convierten el paseo en un deleite para los sentidos; sin embargo, la traba principal de la franquicia, un cierto pesar narrativo que todo lo empapa desde que comenzara su andadura en 2002, tampoco falta a la cita, de manera que el desequilibrio argumental entre un arranque estancado, un devenir un tanto pesaroso y una conclusión atropellada en su tramo final solapan las virtudes del montante en su estimación global, a pesar de que es indudable que una vez más hará pasar un buen rato al respetable. Leer más »

Jennifer Lynch regresa quince años después de su debut con un thriller extravagante que demuestra que, si bien nunca alcanzará la calidad del trabajo de su padre, sí es capaz de generar ambientes atractivos sin excesivos recursos. 

Una pareja de agentes del FBI (Bill Pullman y Julia Ormond) llega a un pequeño pueblo en el que ha tenido lugar un terrible asesinato. A pesar de las reticencias iniciales de las fuerzas del orden locales, comienzan a tomar declaración a los implicados en el hecho. Quince años después de la tremebunda “Mi obsesión por Helena”, Jennifer Lynch vuelve a situarse tras las cámaras para ofrecer un thriller que demuestra que, si bien no alcanza ─ni alcanzará─ las insondables cotas de calidad artística y expresiva de su padre, aquí auspiciando la obra de su retoña en calidad de productor ejecutivo, sí ha tomado buena nota a la hora de elaborar atmósferas a caballo entre lo onírico y lo opresivo. Una de las grandes herramientas de las que dispone la realizadora es la sabia disgregación de los elementos que conducen a la verdad del caso, pequeñas piezas de un puzle global diseminadas a lo largo de un metraje en el que tan sólo el espectador conoce toda la verdad de lo acontecido, ya que cada testimonio se acompaña de flashbacks que nos muestran cómo el relato de cada participante dista, y mucho, de lo que realmente sucedió.

Un reducido grupo de personajes, encabezado por un descomunal Pullman ─tras “Carretera perdida” queda confirmado que los Lynch saben exprimir como nadie sus capacidades interpretativas─, y tan sólo un par de escenarios componen una puesta en escena extravagante y grotesca, maquiavélica por la vil naturaleza de casi todos los partícipes y capaz de atrapar al espectador que quiera sumergirse en un microcosmos extraño, bizarro y tremendamente ameno por las actitudes individuales de cada presente y las consecuencias que sus actos tienen en el grupo. Y es que “Surveillance” no ofrece sino una acumulación de tópicos del género al uso, pero remozados ─o rebozados, incluso─ para ofrecerlos al palco de manera que la sensación final es la haber visto un producto superior en méritos a los que realmente ofrece. Leer más »

Daniel Benmayor se estrena como director con una propuesta salvaje en su esencia y en su puesta en escena, mareante y caótica pero irresistiblemente divertida por lo desenfadado y visualmente elaborado. A tener en cuenta en el futuro. 

Un grupo de desconocidos, que tan sólo tienen un común su afición a los juegos de simulación bélica, se embarcan en lo que debe ser una estimulante aventura pero que se convierte en la peor de las pesadillas cuando comienzan a ser exterminados por un asesino anónimo y oculto. Daniel Benmayor debuta tras las cámaras con “Paintball”, carta de presentación en la que opta por una propuesta que juega sus bazas principalmente en su radical puesta en escena. Ya desde los primeros compases de la historia el espectador se sumerge junto a la tropa de participantes en un micromundo salvaje, desquiciado y desquiciante, una trama en la que no existe presentación previa y en la que el nudo y el desenlace se convierten en un divertido tormento no apto para estómagos sensibles, no ya por la brutalidad de los acontecimientos ─delirante y deliciosamente excesiva─, sino por el abuso de la cámara subjetiva, mareante y desmedida especialmente en el primer rollo.

Con un montaje errático y definitivamente confuso, la película galopa con un metraje ajustado y consciente de lo cuasi vanguardista de lo que propone, luciendo un aspecto quemado pero impecable en el que la acción y el terror se solapan sin dejar huecos para la ¿necesaria? vía de escape que en tantas ocasiones se halla en unas mínimas vetas de humor cafre y desencajado. A caballo entre el slasher de siempre y los remotos e inmortales anhelos, una vez más, de “El malvado Zaroff”, con el hombre convertido en bestia en un coto de caza cerrado a los antojos de un lunático que observa en la distancia, “Paintball” no encuentra los secretos de su funcionalidad en la corrección de sus actores ni en la originalidad argumental ─prácticamente no existe una hilo conductor propiamente dicho─, sino en el abrazo sin ambages de una estética arriesgada por lo hiperbólica, que provocará reacciones encontradas entre quienes aprecien el aluvión, con sus logros ─el tiroteo inicial es tan sorprendente como demoledor─ y sus defectos, y quienes a duras penas soporten la epilepsia visual que todo lo envuelve. Leer más »

Sandra Bullock regresa a los conocidos campos de la comedia romántica, con una historia que se distancia de otras tantas similares en argumento en sus alegres concesiones a un humor ligeramente más socarrón de lo habitual.

Margaret Tate (Sandra Bullock) es una férrea agente editorial de Nueva York. Independiente, dura, implacable, se apoya laboralmente en su secretario, Andrew (Ryan Reynolds), solícito, servil y aspirante a escritor. Cuando ella es amenazada con la deportación por no actualizar sus papeles para residir en los Estados Unidos, encontrará una solución tan desesperada como inesperada: contraer un matrimonio de conveniencia con su ayudante. Así, viajarán a la localidad nata de éste, un recoleto pueblecito de Alaska, para conocer a su adorable familia, en un encuentro que cambiará sus vidas para siempre. “La proposición” marca un nuevo intento de la titubeante estrella femenina de regresar al candelero tras unos años en los que el aroma del éxito parece haberle dado la espalda; para la tentativa, nada mejor que una comedia romántica, género al que siempre será asociada a pesar de haber tocado a lo largo de su carrera los más diversos campos cinematográficos con resultados tan diversos como mayormente insatisfactorios, intrascendentes cuando menos.

Si bien la realizadora Anne Fletcher no arriesga en exceso a la hora de apartarse de los cauces por los que ha de fluir una propuesta de estas características, en innegable que su labor se beneficia considerablemente de un guión firmado por Pete Chiarelli  en el que se pretende la convivencia ─sana y agradecida en este caso─ entre los más diversos tipos de humor admisibles en una película de este calado. Es cierto que todo es previsible y que los personajes quedan desdibujados desde el mismo instante en que son presentados, por la acumulación de tópicos que atesoran y por la obviedad de los chascarrillos derivados del choque fortuito entre sus caracteres y actitudes; pero, al menos, la insumisión a la melosidad y la inclusión de roles como el de Ramone (Oscar Nuñez, otro talento extraído de la versión americana de “The office”) garantizan una saludable vía de escape más burlesca ─inocentemente escatológica, incluso─ al habitual gracejo soso e insustancial que suele regalar un film en el que no nos van a contar nada nuevo, porque todos sabemos ya que el amor está en el aire y triunfará, tarde o temprano. Leer más »