Columna de opinión

“Still walking (Caminando)” es una muestra de cine que aspira a la excelencia por la vía del mimo de sus materiales, tanto formales como temáticos. Kore-eda firma un completísimo tratado de la condición humana y sus variables recovecos.

En el ejercicio de la crítica cinematográfica, es bastante habitual que uno ya tenga claro, de antemano, que el producto al que se va a enfrentar, salvo descomunal sorpresa, no va a colmar siquiera un mínimo de sus exigencias. No se trata de una enfermedad grave: se asume con deportividad, se glosa la película en cuestión y hasta la próxima. Pero a veces, ay, a veces, uno se tropieza con cine grande, cine bueno, del que hace temblar de emoción, del que hace reír —sin estridencias— y llorar —sin pudor ni tapujos—. Cine, en definitiva, que se eleva sobre la rampante mediocridad general. “Still walking (Caminando)” forma parte de esa categoría, la del cine con mayúsculas: así lo disfruté, así lo sentí, y así, amigos lectores, se lo cuento.

“Still walking (Caminando)”, la última entrega del director japonés Hirokazu Kore-eda, se enmarca, sin el más mínimo punto de inferioridad, en la mejor tradición de ese cine oriental de tempo lento, casi detenido —ese del que un nombre como Yasujiro Ozu se ha convertido en mito referencial casi ineludible—, en el que no hay prisa por contar una historia que, bajo una apariencia de superficialidad rayana en lo insustancial, nos termina ofreciendo todo el abanico posible de sentimientos y relaciones que a los humanos nos implica y atañe. Ese mismo cine en el que siempre es compatible la narración, y su fluir lánguido, con el deleite en las formas, luces y sonidos que recorren unos planos de una hermosura profunda y poéticamente trabajada. Sencillo en apariencia, pero tremendamente difícil de conseguir en la práctica: no es fácil que ejercicios de tanto cuidado formal no terminen despeñándose por los barrancos del esteticismo efectista. Kore-eda lo consigue, y si esta es una película grande lo es, en buena medida, gracias a ese logro. Leer más »

“Presencias extrañas” no deja de ser un compendio, más o menos ordenado, aseado en sus formas y sin brillantez de un puñado de situaciones, componentes y episodios ya vistos en multitud de clásicos (y no tan clásicos) del suspense.

Aunque la epidemia parece haber remitido, todavía sigue quedando algún rescoldo de la “gripe” de terror asiático que nos asolaba hasta hace bien poco, aun cuando sea bajo la fórmula del refrito usamericano. Y es que bajo tales premisas llega a nuestras pantallas el último estreno adscribible al género del horror psicológico que, bajo el título de “Presencias extrañas” reversiona un éxito coreano reciente, el del filme del año 2003, que, dirigido por Kim Jee-woon, y con el título de “2 hermanas”, ya obtuviera cierto eco entre los seguidores del género —si bien poco trascendió más allá de tales confines—.

Dado que no tengo referencias de ese precedente de ojos rasgados, no puedo entrar en valoraciones acerca de eventuales mejorías o empeoramientos en esta actualización frente a su predecesora. Lo que sí puedo asegurar es que este título que firman, en su realización, Charles y Thomas Guard, ofrece escasos atractivos para todo aquel que no sea un seguidor irredento del género, y siempre y cuando su nivel de exigencia, especialmente en lo referente a la originalidad de los planteamientos argumentales, no sea muy alto: al fin y a la postre, “Presencias extrañas” no deja de ser un compendio, más o menos ordenadito y relativamente aseado en sus formas —aunque sin un ápice de brillantez—, de un puñado de situaciones, componentes y episodios ya vistos en multitud de clásicos (y no tan clásicos) del suspense. Leer más »

Demostración de que aquí en Europa, cuando hay voluntad e ideas claras, también se puede hacer cine comercial solvente. Cine de entretenimiento que entretiene, un thriller de suspense que por momentos asusta y, por momentos, intriga.

Ante la imposibilidad manifiesta de esquivar los prejuicios, quizá no sea mala alternativa la de, al menos, confesarlos abiertamente: no conjurarlos, pero, delatándolos, se pone al lector sobre aviso. En mi caso, y para el supuesto que nos ocupa, no puedo negar que siempre comparezco con cautela más cercana al recelo que a la prudencia a la llamada de una adaptación cinematográfica de un texto literario de fuerte tirón comercial. Y esto, con independencia de que el texto me resulte conocido o no —en este caso no lo conozco, pero eso no merma mis prevenciones—. Pero tampoco me duelen prendas en reconocer cuándo las cautelas y prevenciones señaladas quedan satisfactoriamente “desactivadas”, y he de confesar que así me ha sucedido contemplando la transposición a la pantalla que el sueco Niels Arden Oplev ha hecho de la primera entega de la trilogía Millenium escrita por su compatriota Stieg Larsson, “Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres”. Un filme tenso, compacto, impactante y entretenido; un producto al que sus servidumbres —no en balde, se trata de una película destinada al consumo de un público de amplísimo espectro, tanto como lectores ha tenido su novela de base— no arrastran por debajo de la línea en que lo sitúan sus evidentes virtudes narrativas y su absoluta solvencia para, a lo largo de su más que generoso metraje, no defraudar a aquel que se acerque sin los ya confesados prejuicios.

No significa lo anterior que nos hallemos ante una obra maestra, ni muchísimo menos. “Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres” se mueve en unos parámetros que la alejan de aspirar a tal condición, pero no por ello cabe ser cicatero con sus méritos, entre los cuales habría que señalar, fundamentalmente, lo bien que conjuga el nervio central de su trama. Este configura un thriller convencional (de investigación de un supuesto crimen cometido años atrás, acerca del cual se despliega un seguimiento meticuloso y pormenorizado), y sus subtramas de relaciones personales, en las que se contraponen los mundos diferentes de, por un lado, la pareja protagonista (seres a contracorriente de su mundo circundante, refugiados tras una parafernalia informática que los protege casi tanto como señala sus vulnerabilidades afectivas) y, por otro, la rica y putrefacta familia (en la mejor tradición del cine nórdico, aunque falten las profundidades y disquisiciones metafísicas) acerca de la cual se desarrollan los hechos investigados. Leer más »

Un filme redondo, una pequeña joya que, desde el presupuesto de la sencillez, se eleva mucho más allá de lo que su apariencia señala. O sea, una más del maestro Hayao Miyazaki y su estudio Ghibli. Más de lo mismo, más de lo excelente.

Resulta reconfortante, en estos momentos en que el cine de animación (en su vertiente más comercial) parece haberse convertido en una carrera desbocada entre los poderosos estudios estadounidenses por decir la última palabra en perfección técnica, que un francotirador como Hayao Miyazaki, ajeno a cualquier hipotético canto de sirena —y deben haberlos cerca de quien no en balde ha sido venerado por la crítica más sesuda y cinéfila—, siga manufacturando un producto animado de la pureza formal y honestidad material que nos brinda esta su última entrega, “Ponyo en el acantilado”.

La última película del director japonés abunda en las constantes ya mostradas en sus anteriores títulos, tanto estilísticas como temáticas. Pero nos demuestra cómo, cuando no escasean ni la imaginación ni el talento, la reiteración no deviene en aburrimiento y las imágenes nos generan sentimientos de muy diverso género, sin aportar nunca una sensación de déjà vu. Leer más »

Tremendamente plana en lo relativo a su desarrollo dramático, basada en una estructura sin el más mínimo margen para la sorpresa y un cuadro de personajes que no hemos dejado de ver en mil y una películas previas.

Mucho se viene hablando y escribiendo acerca de la extensión del cine en 3-D como una de las posibles salidas para la crisis galopante (reflejo o ramificación de la no menos horrenda de corte económico y global) que viene golpeando en estos últimos años al negocio del celuloide. La historia no es nueva: también el surgimiento de la televisión, en los años cincuenta, generó como reacción ante un escenario apocalíptico que nunca llegó a consumarse, que el cine contraatacara con nuevos sistemas de imagen y sonido, tendentes a recalcar los aspectos más grandilocuentes y espectaculares de este arte primisecular. Y a mí, personalmente, me resulta creíble: aun entendiendo que no se trata de la panacea, ni del bálsamo de Fierabrás, las salas en 3-D van a contribuir a que buena parte del público que migró desde la gran pantalla a otras más pequeñas y accesibles, vuelva a la sala oscura.

Pero el “experimento” no deja de tener sus contraindicaciones. Una película como la recién estrenada “Monstruos contra alienígenas” no hace más que plasmarlas con toda su crudeza: se pone tanto énfasis en todos aquellos aspectos a los cuales el formato puede dar realce, que parecen descuidarse los restantes. No se puede olvidar que el cine se trata de un arte basado en la integración (en la medida de lo posible, armoniosa) de distintos elementos formales y materiales. Sin esa integración, uno puede encontrarse en la pantalla con un cúmulo de imágenes espectaculares cuya resultante final no es un buen filme. Y esta última entrega de la factoría Dreamworks, en la modesta opinión de este humilde escribiente, no lo es, pese a lo deslumbrante de su puesta en escena y lo impactante de sus encuadres y movimientos de cámara. Leer más »