Una semana más, el aluvión de estrenos, en cantidad y calidad, que llega a la cartelera española, nos hace pensar en un momento esplendoroso (que, muy posiblemente, nada tenga que ver con la situación real) para la exhibición cinematográfica en nuestro país. Mucho y variado; qué maravilla. De más maravillosa aún, si cabe —al menos, para los defensores convictos, confesos e irredentos del cine español, entre cuyas huestes me cuento—, cabe calificar la circunstancia de que, entre tan vistoso catálogo, el ejemplar más destacado corresponda, precisamente, a una película española; y no a una película cualquiera, sino al último estreno de uno de nuestros más prestigiosos directores (y hablo de un prestigio más o menos objetivable en base a su gancho comercial y conocimiento público; sobre gustos, no comment…), José Luis Garci. “Sangre de mayo”, que ha sido preterida tras “Los girasoles ciegos” en su pugna por acceder a la designación de la Academia española como candidata al Oscar® a la mejor película de habla no inglesa, llega este mismo viernes a nuestras pantallas, allende Talavera, y lo hace rodeada de la expectación que, de manera casi ineludible, suele rodear a todo producto firmado por este asturiano tan personalísimo en sus maneras cinematográficas.

La apuesta de Garci, aun contando con el generoso “paracaídas” público que le ha supuesto la financiación —además, íntegra— a cargo de la Comunidad de Madrid, no deja de ser enormemente arriesgada, en la medida en que se embarca en una producción de gran vuelo y de corte histórico; línea que, aunque ofrece numerosos precedentes cercanos en nuestro cine (ahí están títulos como “Alatriste”, “Los Borgia” o, más recientemente, “La conjura de El Escorial”), que, además, no han funcionado, en algunos casos, nada mal en la taquilla, siempre arroja una fuerte incertidumbre en cuanto a la previsible respuesta del público. Tampoco invita a lanzarse enloquecidamente hacia el cine más cercano donde se esté proyectando, un dato como el de su metraje: ciento cincuenta y dos minutos constituyen un argumento más que disuasorio para el espectador acostumbrado a productos de digestión bastante más liviana. Pero es probable que el gancho de un nombre como el de Garci, que se rodea de buena parte de su equipo técnico y artístico habitual (ahí están Pablo Cervantes —música—, Horacio Valcárcel —guión— y, muy especialmente, Gil Parrondo —dirección artística—), así como de un reparto actoral denso y cuajado, pese lo suyo, y termine arrastrando a un número suficiente de espctadores. Todo eso, y más, a partir de hoy mismo…

En la imagen: José Luis Garci durante la rueda de prensa de “Sangre de mayo” en Madrid. Foto por Ralf Pascual - Copyright © 2008 LaButaca.net. Todos los derechos reservados.

Una de las cosas que afirman los que no gustan del género del terror es que éste se ha convertido en una mera repetición de historias y argumentos que ya poca novedad aportan. Y en cierta manera, tienen razón: las películas de miedo hace ya décadas que se subdividen en una serie de temas cuyo esquema apenas varía. Razón más que suficiente, pues, para servir de prueba de la verdad de la pericia de los realizadores: si en el cine el estilo, la manera de contar, es fundamental, aún más en este tipo de propuestas (una misma historia mil veces contada puede ser ridícula o sumamente inquietante, todo depende de que caiga en las manos adecuadas).

Si esto es así, resultará difícil rebatir que unas de esas manos fundamentales son las del francés Alexandre Aja, punto de referencia ineludible de la renovación que ha supuesto, paradójicamente, volver a contar las historias de siempre con la misma fe y habilidad que si fuera la primera vez que se narran. Ya lo demostró en el árido terreno de los remakes, con esa soberbia película que fue “Las colinas tienen ojos”, reválida de un genio cinematográfico que ya apuntó maneras en “Alta tensión”, el título que le dio a conocer y que nos mostró a un creador con un pulso extraordinario. Este fin de semana nos llega “Reflejos”, protagonizada por Kiefer Sutherland, y todo parece indicar que el ponerse al servicio de una estrella y de la producción hollywoodiense, a Aja no le ha hecho, ni mucho menos, perder pie. Lo comprobaremos, como siempre, a partir de mañana viernes en la cartelera.

• Leer crítica de “Reflejos”, por José Arce

En la imagen: Kiefer Sutherland en “Reflejos” - Copyright © 2008 New Regency. Foto por Toni Salabasev. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.

Visto el amplio número de estrenos que llegan a nuestra cartelera este fin de semana (hasta un total de ocho títulos nuevos asoman a ella), cabría conjeturar que no hay mejor antídoto (o conjuro, puestos en tesituras brujeriles…) contra la crisis, que el de aportar una buena dosis de novedades a las pantallas grandes de nuestros cines. Si de tan cuantiosa cosecha sale, o no, un nivel de calidad suficiente, es algo que sólo se podrá contrastar cuando las películas se hayan proyectado; pero lo que sí podemos avanzar —a la vista de las referencias previas— es que el abanico de opciones, en cuanto a variedad (de estilos y géneros), garantiza que habrá material disponible para todos los gustos y querencias. Y, entre todas esas propuestas, una que llama poderosamente la atención, y parece destinada, a priori, a copar el máximo nivel de atención, no precisamente por sus atractivos estrictamente cinematográficos, sino por tratarse de la transposición a la gran pantalla de un verdadero fenómeno editorial reciente (un best-seller en toda regla, vaya…), la tan traída y llevada novela de John Boyne: “El niño con el pijama de rayas”.

Recibida con expectación más que considerable en su reciente pase (fuera de concurso, eso sí) en el Festival de Cine de San Sebastián, cabe esperar de la tradicional (y proverbial) elegancia británica (no en balde, tal nacionalidad ostenta el equipo de producción que se ha encargado de esta adaptación cinematográfica), así como de su más que acreditada capacidad para manufacturar productos de total solvencia, el tacto y la contención suficientes para esquivar los “peligros” que un material tan sensible como el que integra el tejido dramático del texto literario de base, puede plantear hasta al más templado de los cineastas, aun sin olvidar, naturalmente, que estamos ante un film de corte claramente comercial, y que, en buena medida, tratará de aprovechar —a base de no eludir el fuerte dramatismo que se desprende de la historia— el tirón de público que acudirá a la sala a refrendar, o contrastar, hasta dónde alcanza la fidelidad, o la traición, a la novela. De la buena mano de Mark Herman, su director, y de las prestaciones actorales de sus dos niños protagonistas (Asa Butterfield y Jack Scanlon), dependerá, en buena medida, si el equilibrio entre esos dos polos en tensión arroja un buen resultado final. Veremos…

En la imagen: Fotograma de “El niño con el pijama de rayas” - Copyright © 2008 Heyday Films, BBC Films y Miramax Films. Foto por Lukács Dávid. Distribuida en España por Buena Vista International Spain. Todos los derechos reservados.

Con todas sus (evidentes) imperfecciones, “Zohan: Licencia para peinar” fue un aviso: los cómicos que pueblan las películas norteamericanas tienen capacidad para elevarse más allá del gag de andar por casa y abordar grandes temas sin abandonar el terreno de la comedia. Así, lo que en la cinta de Dennis Dugan se quedaba, desgraciadamente, en el terreno del quiero y no puedo, ha estallado con toda su potencia en la nueva película de Ben Stiller como director, “Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!”. Si en “Zoolander” daba un buen repaso al impostado mundo de la moda, en esta nueva entrega se atreve con un género que ha dado grandes obras a Hollywood: la comedia bélica.

Y si hemos de hacer caso a lo que se comenta y a lo que nos viene de Estados Unidos, ha dado en la diana, con una obra que contiene referencias a los grandes clásicos del género, “Apocalypse now” incluido. Pero quizá lo más significativo sea que lo haya conseguido echando mano de un cómico como Jack Black, que a tantos provoca úlcera de estómago (no es mi caso), mezclándolo con estrellas del calibre de Tom Cruise, Nick Nolte o Matthew McConaughey, entre otros. Un auténtico repaso a las ínfulas de quienes pueblan Hollywood, un monumento a la carcajada según las crónicas del Festival de San Sebastián… y para colmo, con un Robert Downey Jr. en estado de gracia, que, además, encara el que debe de ser el papel más complicado de su carrera. ¿Habrá seguido el método Stanislavski para meterse en su personaje?

• ¿La edad de plata de la comedia norteamericana? (I)

En la imagen: Robert Downey Jr. en “Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!” - Copyright © 2008 DreamWorks Pictures y Red Hour. Foto por Merie Weismiller. Distribuida en España por Paramount Pictures Spain. Todos los derechos reservados.

Bueno, pues por fin está aquí: la tan cacareada “Vicky Cristina Barcelona”, el desembarco de Woody Allen en nuestro país tras su exilio por no encontrar productores en Estados Unidos, nos llega este fin de semana. Después de su trilogía inglesa (“Match point”, “Scoop” y “Cassandra’s Dream”, que fue claramente de menos a más, cambia las islas por la soleada Barcelona. Y la verdad es que uno no sabe muy bien qué se va a encontrar, porque tanto el rodaje como algunas polémicas surgidas a lo largo del proceso de producción han hecho que ésta, quizá, sea la cinta ante la que el espectador español, uno de los más fieles a Woody, sea menos capaz de saber a qué atenerse.

¿Nos encontraremos con un largo spot turístico en forma de película? ¿Con un argumento tópico y típico en el que Javier Bardem será el latin lover y Scarlett Johansson y Rebecca Hall las seducidas e ingenuas turistas norteamericanas? ¿Con un buen retrato de personajes, o con unos brochazos, esta vez en clave de comedia, que renueven la decepción que supuso su anterior trabajo? ¿O será un verdadero hito en la filmografía de Allen, la demostración de que es capaz de conectar con lo mejor de los directores europeos, levantando una historia intemporal, o incluso de cualquier sitio, que pueda llegar a los espectadores de todo el mundo? Afortunadamente, queda poquísimo tiempo para que obtengamos la respuesta.

En la imagen: Woody Allen durante el rodaje de ”Vicky Cristina Barcelona” - Copyright © 2008 Gravier Productions, Mediapro, Antena 3 Films y Dumaine Productions. Distribuida en España por Warner Bros. Pictures International España. Todos los derechos reservados.

Ante lo escuálido que se presenta (al menos, en cuanto a número —sólo cuatro—) el panorama de estrenos de esta semana, cabe poca duda acerca de cuál de los títulos acapara la mayor atención, especialmente entre la fiel legión cinéfila de seguidores del director neoyorquino Woody Allen. Ese título no es otro que “Vicky Cristina Barcelona”, última entrega de este prolífico y personalísimo autor, y último jalón del periplo viajero que, desde hace unos años —y movido más por imperativos comerciales y financieros que por una determinación artística en tal sentido—, viene practicando lejos de esa gran manzana que, tradicionalmente, ha venido constituyendo el plató más que predilecto, casi único, de la totalidad de su filmografía anterior a 2005. El interés se acrecienta, si cabe, gracias a dos circunstancias concretas y de ámbito digamos que “local”, como son la ubicación geográfica de la historia, que se sitúa en una ciudad como Barcelona, muy poco necesitada de presentación alguna (su dimensión cosmopolita e internacional es más que sobrada, y, desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, tampoco le faltan precedentes y referencias abundantes), y la presencia, con dos papeles protagónicos, centrales, de las dos superstars más rutilantes (con permiso de don Antonio Banderas, claro está) del firmamento interpretativo español: Javier Bardem y Penélope Cruz.

¿Curiosidad? Sí, evidentemente. Curiosidad por saber si el señor Allen remonta, con este film,  un vuelo creativo que, según un amplio sector de la crítica más conspicua —que ha vapuleado con bastante intensidad su “trilogía londinense” (“Match point”, “Scoop” y “Cassandra’s Dream”), en base a una supuesta decadencia, o agotamiento, más expresado como un mantra mecánico que acreditado con argumentos firmes—, se ha situado varios pies de altura por debajo del alcanzado por su obra anterior —una apreciación que no comparto, ni muchísimo menos; ni esa obra anterior sigue una línea de regularidad excelsa tan acusada ni la trilogía en cuestión carece de apuntes más que estimables—. Y curiosidad por comprobar si, como suele ser habitual en estos casos, los “árboles” (léase: las estrellas que pueblan la pantalla, y sus afanes interpretativos; no olvidemos que, a las dos arriba señaladas, se une la última musa omnipresente del director judío: Scarlett Johansson) nos impiden, o no, ver el “bosque” (es decir, una historia que, a tenor de las referencias ya conocidas, parece moverse en unas coordenadas amorosas en las que Woody Allen siempre se ha movido con especial comodidad, lo cual, a priori, debería garantizar cierta solvencia en el resultado final). Esas incógnitas, y algunas más —cuya formulación les reservo a ustedes, amigos lectores—, se resolverán a partir de este mismo viernes en cines de toda España…

En la imagen: Woody Allen durante el rodaje de “Vicky Cristina Barcelona” - Copyright © 2008 Gravier Productions, Mediapro, Antena 3 Films y Dumaine Productions. Distribuida en España por Warner Bros. Pictures International España. Todos los derechos reservados.

Timur Bekmambetov es un señor que hiperhormona todo lo que cae en sus manos. Consciente de que hace ya casi una década (¡madre mía, cómo pasa el tiempo!) desde que “Matrix” sacudió la estética del cine y lo abrió al siglo XXI, y que lo que entonces nos dejó a todos con la boca abierta ha caído en la rutina y la ausencia de sorpresa (¿cómo puede ser de otra manera cuando TODO es posible ya visualmente?), tuvo claro lo siguiente: si un pastelito ya no te dice nada, mejor te doy no una sino dos, tres, cuatro tartas seguidas y te atiborro hasta que tu paladar no pueda distinguir los sabores y te quedes ahíto y empachado. Siguiendo con la comparación, si la película de los Wachowski fuese el pastelito, la parafernalia asfixiante y cargante que este señor desplegó en sus “Guardianes de la noche” y su continuación, “Guardianes del día” representaría la sucesión de tartas sobrecargadas: una orgía visual de macroefectos digitales, a cada cual más espectacular y coregrafiado, con preferencia por los coches y automóviles de última generación haciendo cabriolas imposibles y, como efecto colateral, aplastando a su paso cualquier atisbo de construcción argumental o diálogos medianamente interesantes.

Atraído por un Hollywood ansioso que siempre compra fuera el talento que cree no encontrar dentro de sus fronteras, y cuyos productores quizá se dejaron seducir por el hecho de que las dos películas realizadas en Rusia se hiciesen con un presupuesto menor (para los cánones norteamericanos, claro), ahora se le ha dado carta blanca para irrumpir con mayor fuerza si cabe en las pantallas mundiales con “Wanted (Se busca)”: bajo el poderío (en todos los sentidos) de Angelina Jolie, el destello de Morgan Freeman y las siempre solventes presencias de James McAvoy y Terence Stamp, quizá esta adaptación del cómic original de Mark Millar y J.G. Jones traiga algo más que una repetición de las cabriolas visuales del director nacido en lo que ahora se conoce como Kazajistán. Pero, sinceramente, el tráiler no da muchas esperanzas: espero que los peores presagios no se confirmen.

En la imagen: James McAvoy en “Wanted (Se busca)” - Copyright © 2008 Universal Pictures y Spyglass Entertainment. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

Llevamos unas semanas de euforia. Y, en cierta forma, no es para menos, porque se han sucedido, en muy poco tiempo, una serie de estrenos de los de antología. Por nuestras carteleras han desfilado gran parte de los pesos pesados que veremos en un año, y para colmo las expectativas de calidad se han visto más que satisfechas en la mayor parte de los casos. Si a eso añadimos el hecho de volver a encontrar las salas llenas como hacía muchísimo tiempo que no ocurría (y más aún por los que optan por títulos alternativos a la oferta más comercial), casi nos habíamos olvidado de que esto que llamamos cine está en crisis (o al menos, eso dicen).

Pero no, desgraciadamente sigue habiendo problemas en la distribución cinematográfica de este país. Que una película como “El tren de las 3:10” haya tardado un año en llegar a nuestras pantallas desde su estreno estadounidense, cuando tantas memeces nos invaden simultáneamente, o casi, a su desembarco en su país de origen, indica que algo falla. Y más todavía cuando su reparto viene encabezado por dos actores tan en boga como Christian Bale (no puede estar más de moda tras “El Caballero Oscuro”) y Russell Crowe. De acuerdo que el western es el eterno enfermo de los géneros cinematográficos, y que su muerte ha sido anunciada una y mil veces, pero aún así lo que ha sucedido con esta cinta parece excesivo (y dejemos aparte casos más sangrantes, como el de “I’m not there”, que sigue inédita entre nosotros tras su paso por varios festivales y su nominación a los últimos Oscar®). ¿Quieren un consejo? Corran a verla, no vaya a ser que, para completar el cuadro, encima dure en cartelera lo que una consola a la puerta de un colegio.

En la imagen: Escena de “El tren de las 3:10″ - Copyright © 2007 Tree Line Film y Relativity Media. Foto por Richard Foreman. Distribuida en España por Wide Pictures y Filmax. Todos los derechos reservados.

“Hellboy” es un cómic atípico. Uno casi se atrevería, sorteando posibles anatemas y maldiciones, a definirlo como lo que Hugo Pratt habría hecho si le hubiera dado por crear un superhéroe. Con un gran número de referencias cultas y unas tramas que se inspiran en la mejor literatura de terror, con Lovecraft y los mitos de Cthulhu al frente, está claro que no era material para ninguno de los habituales destripaterrones de Hollywood, esos que todo lo resuelven a base de aluviones de efectos especiales y pirotecnias digitales (¿alguien ha dicho Stephen Sommers o Michael Bay?).

Está claro que sólo podía ser un alma gemela de Mike Mignola, el creador del cómic, el que fuese capaz de traducir las viñetas al celuloide. Pues bien, ese alma gemela tiene un nombre: Guillermo del Toro. Y si en la primera entrega se acercó bastante a su modelo (aunque renqueando un poco en los momentos más espectaculares), cabe tener esperanza de que haya rematado la faena en esta “Hellboy II: El Ejército Dorado” que se estrena este fin de semana. Puro cine de disfrute para todos los amantes del fantástico, incluso con un detalle que, a estas alturas, resulta deliciosamente arcaizante: el añadir el numeral romano en el título para no ocultar su condición de secuela. Como en los viejos tiempos, sí señor.

En la imagen: Selma Blair y Ron Perlman en “Hellboy II: El Ejército Dorado” - Copyright © 2008 Universal Pictures, Relativity Media, Dark Horse Entertainment y Lawrence Gordon/Lloyd Levin Productions. Foto por Egon Endrenyi. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

¿Estaremos asistiendo a una edad de plata de la comedia norteamericana? Dicho así puede sonar excesivo, incluso blasfemo, sobre todo si tenemos en cuenta que la edad de oro estaría asociada a apellidos tan ilustres como Wilder, Hawks, Lemmon, Matthau y compañía. Y sin embargo, puede que se trate de una pregunta no tan marciana como en un primer momento puede parecer. Porque nos ha costado bastante separar el grano de la paja, habida cuenta del aluvión de productos fácilmente olvidables (en el mejor de los casos) que nos llegan desde el otro lado del charco; pero al final, un puñado de nombres están reivindicando que hay talento para un tipo de comedia acorde con los nuevos tiempos, que conecta con el público que llena las salas de cine, pero que no necesariamente insulta su inteligencia. Todo lo cual, visto lo visto, no es poco.

Esta semana nos llega una nueva entrega de uno de los nombres señeros de esta nueva hornada, un Adam Sandler que, tras demostrar que también sabe pulsar la tecla dramática cuando es necesario, vuelve a su especialidad, la comedia de planteamiento atrevido y divertido ya desde su sinopsis. Así, “Zohan: Licencia para peinar”, con esa estrafalaria trama de ex agente del Mossad que finge su propia muerte para cumplir su sueño de ser peluquero en Nueva York, promete. Y el hecho de que Judd Apatow, el mismo que ha logrado combinar los elementos de los que otros sólo sacan productos chabacanos para regalar excelentes momentos cómicos, haya colaborado en el guión, también ejerce de garantía. Ahora, sólo falta que los resultados estén a la altura de las previsiones (o sea, más o menos lo de todas las semanas).

En la imagen: Adam Sandler en “Zohan: Licencia para peinar” - Copyright © 2008 Columbia Pictures, Relativity Media y Happy Madison. Foto por Tracy Bennet. Distribuida en España por Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados.