Columna de opinión

Si hay una clara diferencia entre la ceremonia de los Oscars® que tendrá lugar dentro de solo unas horas y su anterior edición, es la de una clara preferencia por propuestas más cercanas al público. Echando la vista atrás, recordamos que en 2008 las dos grandes favoritas eran “There will be blood (Pozos de ambición)” y “No es país para viejos”. Obras, las dos, pertenecientes a realizadores que cuentan entre los más importantes y que representaban, sin duda, al gran cine americano con impronta de autor. La distancia con el público de estas dos películas era evidente: ambas miraban en las entrañas de la miseria humana, ambas resultaban ejercicios pesimistas para con la condición humana y ambas venían marcadas por tempos difíciles acordes a la naturaleza de sus relatos. Ha pasado algo menos de un año y afrontamos una ceremonia bien distinta a aquella. Hoy las grandes favoritas son “El curioso caso de Benjamin Button” y, sobre todo, “Slumdog millionaire”. Por tanto, este año la Academia ha decidido recuperar una propuesta que recupera las grandes historias de amor tan de su gusto (los triunfos de “Titanic” o “Shakespeare in love” así lo certifican), y otra de marcada vocación populista que lo tiene todo para encandilar al gran público.

Bien es cierto que la Academia tampoco se ha mostrado excesivamente dispuesta a alinearse completamente con una audiencia a la que no le da del todo la razón cuando ignora, en las categorías principales, a “El Caballero Oscuro” y “WALL·E (Batallón de limpieza)”, rotundos éxitos tanto de taquilla como de público. Tal negación confirma tristemente que estos géneros siguen confinados a los premios técnicos o a una categoría (la de Mejor Película de Animación) que apenas goza de competencia. Así que siguiendo los esquemas, ocupan sus lugares la formalísima e impecable adaptación de turno (“The reader [El lector]”) y un presumible perdedor al que no le duela la más que probable derrota porque ya tiene un par de premios en casa (Ron Howard y su magnífica “El desafío: Frost contra Nixon”). También tenemos la dosis justita de activismo (“Mi nombre es Harvey Milk”) y unas nominaciones en el apartado interpretativo que tienen de todo: resurrecciones (Mickey Rourke), papeles reivindicativos (Sean Penn), revoluciones europeas (Penélope Cruz), una que viene a reclamar lo que es suyo (Kate Winslet) y, por supuesto, el morbo del galardón post mortem (Heath Ledger). Leer más »

UNA. Porque cada una de sus películas supone una vuelta de tuerca en una filmografía que ha ido abordando una variedad de temas que algunos habrían considerado imposible en quien fuera el protagonista de “Harry el Sucio”. DOS. Por su profundo amor por el cine, por su creencia de que en los clásicos se encuentra gran parte de la magia que ha hecho centenario a este arte, y por la extrema elegancia con la que sabe rodar. TRES. Porque nunca ha renegado de sus orígenes, cuando era un actor hierático que tragaba polvo en una Almería cinematográfica de serie B. CUATRO. Porque sabe reconocer una buena historia allá donde se encuentra. CINCO. Porque es un extraordinario director de actores, capaz de sacar lo mejor de los que se ponen ante su cámara.

SEIS. Porque supo ponernos la piel de gallina y grabar a fuego en nuestras retinas joyas como “Million dollar baby”, “Sin perdón” o “Medianoche en el jardín del bien y del mal”. SIETE. Porque frente a tanta crítica simplona que le acusó de fascista o defensor de la violencia, es uno de los pocos que han sabido mostrar un profundo humanismo en sus cintas. OCHO. Porque nunca falla a su cita y, frente a creadores que últimamente nos decepcionan con demasiada frecuencia (¿alguien ha dicho Woody Allen?), sus entregas casi anuales mantienen una elevada media de calidad. NUEVE. Porque incluso sus tropiezos (“Banderas de nuestros padres”) contienen más cantidad de buen cine que el 90 por ciento de los estrenos que nos llegan. DIEZ. Porque ha confiado en Angelina Jolie para su nueva propuesta, “El intercambio”, que este fin de semana llega a nuestras salas, y ha dicho de ella que tiene el brillo de las actrices clásicas. Por todo ello, y por mucho más: San Clint Eastwood, ora pro nobis.

En la imagen: Clint Eastwood durante la premiere de ”El intercambio” en Nueva York. Foto por Dave Allocca © 2008 StarPix. Todos los derechos reservados.

Me reí mucho con “El secdleto de la tlompeta” y menos con las payasadas de Mortadelo y Filemón. También me emocioné con la ingeniosa y hermosa “Binta y la gran idea”, cortometraje que llegó a estar nominado a los Oscar®. Por todo, tengo a Javier Fesser por una persona de talento y sensibilidad… pero ahora me ha decepcionado con “Camino”. Y digo esto porque el cine siempre puede fabular, dramatizar e incluso exagerar la realidad para ganar en sentido  narrativo o dramático, dejando clara esa distorsión de la fuente que inspira la ficción. Pero lo que no se puede es “dar gato por liebre” y mentir. Ha declarado el director que previamente al rodaje se documentó con rigor… pero resulta que no quiso saber de primera mano lo que había sucedido a Alexia, la niña enferma de cáncer que en la película se llama Camino; además ahora nos enteramos de que había prometido a la familia de Alexia que no utilizaría su nombre en la promoción, y no ha dejado de hacerlo falseando incluso algunos de los momentos de la enfermedad… Con esta falta de rigor y doble lenguaje no se puede ir por la vida, porque todo se acaba sabiendo…

En la rueda de prensa que ofreció en el Festival de San Sebastián, Fesser vendió la idea de tolerancia y respeto a quienes piensan de manera distinta, pero su mirada tras la cámara es manipuladora hasta ridiculizar la vida de quienes tienen unas creencias religiosas, con frases tan retorcidas o malévolas como eso de «¿quieres que rece para que tú también te mueras?» o los aplausos en el momento de la muerte… También ha dicho que él no cree en absoluto en la Providencia ni en los héroes de la Marvel…, y entonces me explico mejor que no haya llegado a calar en una vida —la de Camino/Alexia y la de tanta gente— que desconoce, porque para quien no tiene fe puede resultar bastante más complicado transmitir esa experiencia de encontrar un sentido al sufrimiento… sin llegar a desearlo. Aunque cualquier persona entiende el sentido del sacrificio en el amor, cuando por medio se mete Dios… entonces todo se pone en tela de juicio y parece incluso ridículo o masoquista. Nadie pide a Fesser que crea en nada ni le niega su libertad de expresión, pero si quiere recoger un modo concreto de entender la vida (y el dolor y la muerte), sería bueno un mayor esfuerzo por interiorizar esas creencias y liberarse de prejuicios. En otro caso, corre el peligro de construir una caricatura pueril y falsa, de perderse por un camino invadido por la niebla y que desconoce —no hablo de la teoría— porque su horizonte se termina con lo inmediato. Esperemos que Fesser se reencuentre a sí mismo.

En la imagen: Javier Fesser durante el rodaje de “Camino” - Copyright © 2008 Películas Pendelton y Mediapro. Distribuida en España por Alta Classics. Todos los derechos reservados.

Diga lo que diga al declarar que sólo busca hacer un cine de entretenimiento sin mensajes ni pretensiones, trabaje para quien trabaje —Disney, Warner o Fox—, cuente con grandes presupuestos o se esconda en la serie B, lo cierto es que M. Night Shyamalan siempre imprime a sus películas un aliento alegórico que trasciende la realidad inmediata que cuenta. No es que haya que echárselo en cara porque es su “universo temático” y sabe adornarlo con un envoltorio de suspense y misterio, entre el clasicismo narrativo del cine de género y la modernidad new age de una sociedad ecologista sumida en el pánico del individualismo. En su última película, el director de “El bosque” nos habla de nuevo del miedo que paraliza y aísla, del cientificismo que pretende explicar todos los fenómenos de la Naturaleza, de la incomunicación y del materialismo…, y de la familia como núcleo a partir del cual regenerar la sociedad… con la fuerza del cariño.

Dejando de lado su calidad cinematográfica o su carácter fallido, no cabe duda que “El incidente” vuelve a poner sobre el tapete la realidad de fenómenos inexplicables y no cuantificables científicamente. Su director “incide” en el misterio de la vida, irreducible a unas cifras, estadísticas o variables aplicadas conforme a un patrón o experimento, para terminar defendiendo el poder de un gesto de afecto como “coger de la mano, de verdad” —como el padre de la niña le pide a su cuñada Alma— o la necesidad de volver a descubrir el color del amor en ese anillo “que dice lo que uno siente”. Habrá siempre quien se invente una teoría en forma de terroristas, radiaciones nucleares o toxinas naturales para explicar las catástrofes de la humanidad, pero la verdad es que el mal está en el interior del propio individuo: éste podrá aislarse como la loca anciana a quien el mundo le importa un bledo, o vivir rodeado de multitudes con las que apenas se relacione ni comunique —esos individuos que repiten una y otra vez lo mismo, sin alma ni sentido, paralizados como estatuas de sal y con sentimientos congelados—, pero en ambos casos Shyamalan nos dice que su destino será siempre el mismo, la muerte y autodestrucción por el suicidio o el asesinato. Leer más »

Estos días, a raíz de la muerte de Sydney Pollack, hemos vuelto a oír la melodía de una de sus cintas más famosas, “Memorias de África”, y a ver imágenes llenas de la luz de aquel continente (luz que se ha convertido en referencia para todos los directores de fotografía, como recordaba Javier Aguirresarobe en un artículo en el diario Público) con los rostros desde entonces icónicos de Robert Redford y Meryl Streep. Y los comentarios, claro, seguían los cauces habituales: “obra maestra”, “joya inolvidable”, etc., etc.

Pues bien, uno no puede evitar sentirse un poco extraño cuando oye y lee estas cosas, porque lo cierto es que “Memorias de África” me ha parecido desde siempre un bluf, uno de los mayores pestiños de la historia del cine; y más aún si se tiene en cuenta el maravilloso original literario de Isak Dinesen, infinitamente más rico, complejo y sugerente que la larguísima postal que nos despachó Pollack. Y lo malo es que su influencia no se quedó ahí, sino que inauguró una larga cadena que nos trajo, entre otras, el ladrillo de “El paciente inglés” de su discípulo aventajado, Anthony Minghella; “El cielo protector” de Bernardo Bertolucci, sólo memorable por la extraordinaria banda sonora de Ryuichi Sakamoto; y, últimamente, la “Seda” de François Girard. Francamente, tanto empacho formalista me parece tan cargante como las explosiones del señor Michael Bay. Y es que en esto, como en todo, los extremos también se tocan.

En la imagen: Fotograma de “”Memorias de África” - Copyright © 1985 Mirage Entertainment y Universal Pictures. Todos los derechos reservados.