Columna de opinión

La corrupción de la policía neoyorquina a principios de los 70 ha propiciado muy valiosos ejemplos de cine policiaco, tanto en el pasado (la magnífica “Serpico”, de Sidney Lumet) como recientemente (“American gangster” o “La noche es nuestra” también remiten a esa temática y ese tiempo). Está claro que Gavin O’Connor quiere remitir a algunas de esas muestras y, además, lo hace bien, actualizando la trama de “Cuestión de honor” a los tiempos que corren y que, por lo visto, parecen igual de oscuros para algunos sectores del cuerpo.

Siempre es una buena noticia seguir encontrando películas del género que superan con creces los tópicos y ofrecen relatos sucios, pesimistas y sumidos en una Nueva York alejada de las postales. El modo en que O’Connor filma la ciudad de los rascacielos es deudor, como poco, de la mirada que Michael Mann posa sobre Los Ángeles en su mejor cine. Asistimos a una urbe sin esperanza, bajo una fotografía gris, cruda y una frecuente cámara en mano que entra en la escena del crimen o se adentra en edificios abandonados u ocupados por narcotraficantes. En resumidas cuentas, “Cuestión de honor” es un ejercicio de estilo que pretende emular algunos de sus referentes a través de su mirilla y de la compleja configuración de sus tres protagonistas. Estos son tres policías pertenecientes a una misma familia, dos hermanos incorporados por Edward Norton y Noah Emmerich, y su cuñado, ejecutado por Colin Farrell. Los tres son amplia y correctamente definidos en sus encrucijadas particulares y enclaves dramáticos, condicionados por sus circunstancias familiares.
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Ridley Scott obtuvo muy pronto la consideración de genio, pero lo cierto es que en los últimos tiempos parece encontrarse muy cómodo comportándose más como un cineasta eficaz que despacha sus películas de manera profesional, sin alcanzar cotas inolvidables pero ofreciendo siempre cumplida muestra de su buen hacer, narrando con precisión y adaptando su estilo a cada género que aborda. En el caso de muchos directores, esto les convertiría inmediatamente en nombres a seguir, pero en el caso de Scott, inevitablemente, sabe a poco.

Como ya ocurriera con “American gangster”, “Red de mentiras” comienza con una exhibición de músculo narrativo, y tenemos la impresión de que vamos a asistir a uno de esos mecanismos de relojería en los que cada pieza encaja y el conjunto apasiona: al fin y al cabo, nos encontramos ante una película de espionaje que declaradamente bebe de clásicos como “Los tres días del Cóndor” (adaptándolos a una realidad actual en la que, finiquitada la Guerra Fría, los mismos protagonistas que antaño se pateaban las calles europeas, hoy tienen que ejercer su labor en Oriente Medio). Sin embargo, esa primera impresión pronto pasa a segundo término porque el metraje se va acumulando y el film no termina de despegar. Leer más »

Afortunadamente, los amantes del buen cine tienen la oportunidad de ver dos obras maestras que nos trajo el recién finalizado mes de mayo y que justifican eso de que el Séptimo Arte sintetiza y funde las conquistas de las demás artes, a la vez que hablan del hombre y llegan a lo más interior del espectador para quedarse dentro de él. En el cine se ha estrenado “Aleksandra” de Alexander Sokurov, una mirada profundamente humana a la realidad de quienes están en un campamento militar ruso en la ocupada Chechenia, que hará las delicias de quienes prefieren un cine de silencios y miradas. La otra película excepcional estuvo nominada a los Oscar® y ya está disponible en DVD de alquiler: “La escafandra y la mariposa”, de Julian Schnabel, que pone en imágenes la autobiografía del periodista Jean-Dominique Bauby desde el momento en que quedara totalmente inmovilizado, tras un accidente cardiovascular. Estamos ante dos aproximaciones estrictamente cinematográficas que penetran en lo más profundo del individuo para hablar de lo realmente importante: el cariño, la esperanza, la vida y la muerte. Pocas veces se alcanza esta perfección y esta personalidad visual.

En unos umbrales estéticos también de indudable calidad, la cartelera actual nos permite asistir a la proyección de “La duquesa de Langeais”, la última película de Jacques Rivette, donde se acerca, con una puesta en escena muy cuidada y una planificación formalista, a la nobleza de la restauración para hablar de su hipocresía y vanidad, a través de una historia de seducciones y desencantos amorosos. Otro tono tiene “El baño del Papa”, pequeña película que llega de Uruguay con aires neorrealistas, para acercarnos a unas gentes que sueñan con ilusiones y viven con pobreza y dignidad. Los cinéfilos siempre pueden ver “Un lugar en el cine”, y reflexionar sobre su naturaleza y lenguaje de la mano de Víctor Erice y Theo Angelopoulos. Bajando algunos escalones pero también con indudable interés, el espectador que prefiera buenas películas pero más desenfadadas y menos esteticistas, puede ver el pesimista y demoledor thriller “Antes que el Diablo sepa que has muerto”, de Sydney Lumet, sobre una familia carcomida por dentro en su inmoralidad; la divertida y original “Rebobine, por favor”, del siempre desconcertante Michel Gondry; o la española “Casual day”, de Max Lemcke, sobre la conflictividad laboral y las mezquindades humanas. Por último, todos sabemos que las salas nos ofrecen dos películas que sin duda entretendrán a la mayoría de los espectadores: “Iron Man” e “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”.

En DVD se han editado, ya sea a la venta o en alquiler, algunas películas que ya adelantábamos en los artículos sobre marzo y abril, como “Cassandra’s Dream”, “El atardecer” o “Leones por corderos”. Ahora tenemos que añadir a nuestras recomendaciones alguna más como la que Sarah Polley firma en “Lejos de ella”, con una magnífica interpretación de Julie Christie en el papel de una mujer con Alzheimer; “American gangster” y “Michael Clayton” como aproximaciones americanas a la corrupción y a la violencia; la mexicana “La zona” en su intento de acercarse al contraste de pobreza-riqueza del país y al miedo que a todos invade; y la libanesa y femenina mirada con que se cuentan historias intimistas de varias mujeres en “Caramel”. Los fans del cómic y lo digital tienen la edición de “Beowulf”, los de los Beatles la de “Across the universe” con una buena dosis de canciones y romanticismo, y los amantes de la naturaleza y las aventuras a lo Jack London pueden ver “Hacia rutas salvajes” y disfrutar con su espléndida banda sonora.

En las imágenes: Arriba, “Aleksandra” © 2007 Sagrera. Todos los derechos reservados. Abajo, “La escafandra y la mariposa” © 2007 Vértigo Films. Todos los derechos reservados.

Aparte de la cintas que abordan directa o tangencialmente el suceso del 11-S, parece que el cine norteamericano vuelve a ser espejo e instrumento para la refundación de los Estados Unidos. Ya lo fue en sus primeros momentos, cuando el western narraba la génesis de una civilización que se abría paso hacia el oeste —la frontera—, para después hurgar en los bajos fondos de las ciudades y dar origen al cine de gánsters y negro. Eran tiempos de forja de un Estado de prosperidad y libertades, de gentes que se hacían a sí mismos y vendían optimismo e ideales al mundo entero. Pero el tiempo pasó, llegó Vietnam y la Guerra Fría, y más tarde la crisis del petróleo…, y el cine comenzó a reflejar también una pérdida de ilusión, y apareció cierto escepticismo y temor en la joven nación americana, aunque el peligro estaba aún lejos. Con el nuevo milenio algo pareció cambiar cuando las Torres Gemelas se vinieron abajo, y su seguridad en sí mismos también se derrumbaba. Era preciso volver a andar el camino recorrido, empezar a mirar al exterior sin altivez y al interior sin ingenuidad: una vía de autocrítica que cuestionase sus orígenes, sus métodos, su filosofía política: Gus van Sant, Martin Scorsese y Ridley Scott firmaban, entre otras muchas, cintas como “Elephant”, “Gangs of New York” o “American gangster”, respectivamente.

Por eso, no extraña que ahora hayan concurrido en su carrera hacia los Oscar® varios títulos que respiran la misma necesidad de espacios abiertos como los del Monument Valley de John Ford, de una frontera móvil hacia la que huir y donde tomar aire o hacer fortuna, y de una violencia y ambición que respondan a pulsiones interiores de individuos inquietos y desorientados, cuando no paranoicos. Ahí están el psicópata asesino que encarna Javier Bardem en “No es país para viejos”, un individuo desarraigado e imprevisible; o el avaricioso sin escrúpulos que se alía con cualquiera con tal de lograr su sueño, y que le ha dado a Daniel Day-Lewis su estatuilla por “There will be blood (Pozos de ambición)”; o también el cobarde Robert Ford que mató por la espalda a su admirado Jesse James, para ocupar su puesto de gloria en la Historia; por no hablar del lujurioso juez y su vengativo y criminal barbero Sweeney Todd que Tim Burton acaba de llevar a la pantalla. Individuos sin moral ni raíces, con venganza y violencia en las venas, auténticos centauros del desierto que parten hacia California en busca de petróleo, hacia El Paso para recuperar una maleta llena de dólares, o que vuelven a su Londres natal para saciar su sed de sangre.

En esta nueva búsqueda de identidad, de contenido a una vida vacía o de una seguridad que no tienen, hay también “nuevos americanos” que deciden emigrar a tierras vírgenes. Es la opción del joven Christopher McCandless, que cogió sus maletas —mejor dicho, que quemó sus maletas— para cruzar la frontera de la civilización corrupta o hipócrita, y fundirse en la Naturaleza pura de Alaska. Un viaje a su propio interior o a ninguna parte, porque —como sus colegas de ficción— la muerte le sobrevino en la mayor de las soledades y desamparos: Chigurh o el propio sheriff Bell, Robert Ford, Sweeney Todd, Christopher, Daniel Plainview… individuos desclasados y al margen de la comunidad (tan nuclear en el cine de Ford) y del sistema…, en definitiva, fracasos del sueño americano.

En las imágenes: Arriba, momento del rodaje de “American gangster”; abajo, fotograma de “Hacia rutas salvajes” © 2007 Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

“American gangster”, sin ser extraordinaria, es una película notable en muchos sentidos, y encierra dentro varios regalos para los cinéfilos. Y no es el menor de ellos, desde luego, la recuperación de un Steven Zaillian en plena forma, que vuelve a demostrar por qué ha sido considerado como uno de los más importantes guionistas de Hollywood (suyos son los libretos de, entre otras, “Gangs of New York”, “La lista de Schindler”, “Despertares”, “Mission impossible: Misión imposible” o “Peligro inminente”), y firmante, como director, de dos pequeñas joyas, “En busca de Bobby Fischer” y “Acción civil”.

Claro que el año pasado dio un traspié de cuidado con “Todos los hombres del rey”, una fallida película que podía haberle situado definitivamente en la silla de director y cuyo fracaso, nos tememos, va a hacer que tarde bastante en ponerse al frente de un proyecto. Y lo más curioso de aquel error es que la cinta se derrumbaba, precisamente, por el lado de su estructura dramática, curiosamente lo que más ha contribuido a cimentar el prestigio de Zaillian (hasta el punto de que muchos han llegado a llamar “frialdad” a lo que no es otra cosa que solidez de la manera en cómo construye sus obras). Afortunadamente, el guionista vuelve, y en plena forma, en esta historia de mafia y ambiciones en el Harlem de los sesenta-setenta. A ver si no se nos vuelve a descarriar…

En la imagen: Cuba Gooding Jr. en “American gangster” - Copyright © 2007 Universal Pictures, Imagine Entertainment y Scott Free Productions. Foto por David Lee. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.