Columna de opinión

McG se la juega y rediseña la saga casi desde cero, aprovechando las posibilidades de un futuro post Sarah Connor, subiéndose al carro ganador de unos estudios que buscan desesperadamente repetir el éxito cosechado por Nolan y su Batman.

Con la saga “Terminator” se da uno de esos casos curiosos que invitan a observar con cierta distancia las recepciones críticas de las películas (otro sería el de “Jurassic Park: Parque Jurásico”). La segunda entrega fue denostada en su momento por ser considerada un espectáculo hueco, versión hipertrofiada del primer título de la saga, firmado igualmente por James Cameron en 1984. Y sin embargo, hoy en día es considerada como un modelo de entretenimiento, y todo lo que antes pesaba en su contra (la construcción de una narración vertiginosa que no dejaba un momento de respiro al espectador) se ha transformado ahora en su mayor valor. Hasta el punto de que se ha convertido en el punto de referencia con el que comparar el resto de las entregas que han venido después, incluida esta “Terminator salvation” que ahora nos ocupa.

Y en cierta forma es injusto, pues tanto Jonathan Mostow (responsable de la tercera entrega) como McG, director de este reinicio de la saga que ahora llega a nuestras pantallas, son excelentes profesionales capaces de dar precisamente lo que el estudio encarga, pero en ningún caso llegar al nivel de un Cameron que parece aspirar a que cada una de sus películas ponga una pica en la historia del cine (o al menos, en la del comercial). ¿Quiere eso decir que “Terminator salvation” es una mala película? Ni mucho menos, porque ofrece lo que se espera de ella: un diseño visual de primera y un ritmo que atrapa al espectador, junto a un puñado de secuencias modélicas (el enfrentamiento con el robot gigante, el primer ataque…). Lo único malo es que, en realidad, no inventa nada, y se limita a aplicar a las coordenadas de la saga lo que sí que nos deslumbró antes en otros títulos. Leer más »

“The international: Dinero en la sombra” es un simple entretenimiento, con un final decepcionante y algunas soluciones de guión sorprendentemente torpes y arbitrarias. La sombra de la trilogía de Bourne sigue siendo muy larga.

La nueva película de Tom Tykwer arrastra una aparente contradicción: tiene buenos actores, está rodada con acierto y hasta posee buen ritmo… y sin embargo, algo en ella no termina de funcionar, de enganchar a un espectador que no puede evitar sentir que cada uno de sus aciertos tiene reminiscencias de algún título anterior. Así, por ejemplo, la secuencia del tiroteo en el Guggenheim neoyorquino recuerda inevitablemente a la brillante persecución de la estación londinense de Waterloo de “El ultimátum de Bourne” (eso, por no hablar de los tejados de Estambul, hasta el punto de que uno casi termina esperando que los personajes salten de uno a otro, como ocurría en la Tánger de la misma película de Paul Greengrass), y hay en el tratamiento de los personajes, en la trascendencia y seriedad del planteamiento, una adecuación a la nueva ola de thrillers conspiranoicos que en los últimos tiempos llegan casi cada semana a nuestras pantallas.

Y es una lástima porque, por momentos, la película no carece de atractivos aislados: de planos tan estupendos como el cenital de la plaza de Milán, a la forma en cómo los edificios de alta arquitectura acaban convirtiéndose casi en personajes por ellos mismos (como símbolo del poder de las instituciones financieras que acogen en su interior), pasando por la pericia visual de Tykwer, siempre presente en sus filmes y también aquí entre lo mejor de la cinta. Junto a estas virtudes, un Clive Owen cómodo en otro de esos papeles de héroe-antihéroe que son casi marca de la casa (no en vano, Tykwer afirmó tener en la mente el que interpretara en “Hijos de los hombres”) y unos secundarios, desde su compañera de infortunios Naomi Watts a los villanos encabezados por Ulrich Thomsen, que cumplen con su cometido. Leer más »

Hace poco, en este mismo blog, mi compañero Julio Rodríguez Chico ponía sobre el tapete uno de los temas cruciales planteados por “Redacted”, la última película de Brian De Palma, nacido consciente e intencionadamente bajo el signo de la polémica. Como es sabido, el filme está construido recreando materiales fílmicos extraídos de los circuitos “alternativos” y no sujetos a la censura directa de las autoridades (vídeos personales colgados en YouTube o webs, informativos árabes, grabaciones de cámaras de seguridad, etc.). A nivel estrictamente cinematográfico, esto también apunta un cambio, una mutación en la forma de aceptar la imagen que el tiempo dirá si es sólo una nube pasajera o, por el contrario, algo verdaderamente llamado a perdurar.

Así, no deja de ser curioso cómo, en las antípodas en cuanto a intenciones y género se refiere, Jaume Balagueró y Paco Plaza hayan optado en “[Rec]” por recrear a su vez lo que habría captado la cámara de unos reporteros televisivos que acompañasen a unos bomberos en una intervención en una casa, historia que termina derivando en un relato de horror. Es como si la forma tradicional, la que todos reconocemos al mencionar el adjetivo “cinematográfica”, hubiese agotado su capacidad de transmitir, y a la vez existiesen unas generaciones formadas en códigos narrativos y visuales con sus propias reglas. Nunca como hasta ahora el mestizaje de las imágenes fue más evidente, y se multiplican los títulos que, de una u otra manera, se postulan como puentes entre formas narrativas distintas (“300”, “Hijos de los hombres”, “Old boy”…). Los dos ejemplos que ahora coinciden en nuestra cartelera no son más que otro paso, si queremos más extremo, en la reformulación del ya centenario arte de contar historias con imágenes, y que nadie sabe muy bien hacia dónde nos llevará. Qué suerte tenemos, vivimos tiempos apasionantes.

En la imagen: Fotograma de “[Rec]” © 2007 Filmax. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Redacted” © 2007 On Pictures. Todos los derechos reservados.