Columna de opinión

Algún malpensado podría llegar a sospechar que Anne Hathaway está buscando una nominación al Oscar® siguiendo, paso por paso, el procedimiento oficial para hacerse con una de las preciadas estatuillas: papel dramático en las antípodas de lo glamuroso, preferiblemente de corte independiente y que suponga un cambio de registro radical respecto a lo que ha acostumbrado al público. Pues bien, antes todo hay que decir que el vehículo que Jonathan Demme le ha regalado con “La boda de Rachel”, en lo que supone la vuelta del director de “El silencio de los corderos” a la ficción tras una etapa dirigiendo documentales, cumple a la perfección estos requisitos, por lo que no nos extrañaría ver el nombre de la ex “Princesa por sorpresa” formando parte del cuadro de nominados a la próxima edición de los premios de la Academia. Sin embargo, ello no eclipsaría lo que, a su vez, resulta una verdad igualmente evidente: que “La boda de Rachel” es una estupenda película.

Lo es, en gran parte, porque descansa en un soberbio guión firmado por Jenny Lumet, la hija del gran Sidney y, visto lo visto, heredera de gran parte de las mejores virtudes de su padre. Con una realización espartana, que muchos enlazan con el movimiento Dogma (si bien no cumple estrictamente las condiciones que lo caracterizaban), pero que en realidad bebe de toda una tradición de cine que tiene en nombres como John Cassavetes sus estandartes, la película nos relata un fin de semana en el que una modelo (el personaje de Hathaway) abandona la clínica de rehabilitación en la que ha tratado su alcoholismo (sólo la última de las adicciones que han ido jalonando su vida) para asistir al enlace de su hermana (Rosemarie DeWitt). En el reencuentro familiar aflorarán todas las tensiones y secretos albergados en una familia destrozada, en la que cada uno de sus miembros ha intentado sobrevivir como ha podido, en la mayor parte de los casos desentendiéndose del resto (como la madre, gran papel de la recuperada Debra Winger), y donde los sentimientos están tan a flor de piel que apenas necesitan un pequeño impulso para emerger con una fuerza incontenible. Leer más »

Un matrimonio, él médico de un geriátrico y ella directora teatral, atraviesa un periodo de crisis y se enzarza en una discusión ante un hijo que graba fríamente sus reproches. En la residencia de ancianos, una frágil y apática enfermera parece deambular por un abismo existencial, sólo soportable por los somníferos y los crucigramas. Todos buscan la felicidad y todos buscan “pretextos” para seguir creyendo que pueden encontrarla en la triste realidad de sus vidas, y también para matar sus penas en el alcohol, en un amante ocasional o entre el sopor del sueño. Son seres a la deriva que necesitan oír que importan a alguien aunque sepan que es mentira —como la otra Viena, la de “Johnny Guitar”, cuya melodía suena una y otra vez—, individuos en medio de la nada y con el corazón frío que viven aislados en su mundo, como el adolescente obsesionado con capturar los sonidos o la anciana enferma de Alzheimer.

En “Pretextos” nos encontramos con ambientes fríos en los que se mezclan de manera artificiosa la realidad de algunas criaturas con su representación. No en vano, Viena está poniendo en escena una obra de Chéjov trasladando su propia soledad y carencia afectiva, mientras que su propio hijo se ocupa de recoger el ambiente que respiran para completar el gélido cuadro vital. Una galería de personajes que suben al escenario del teatro o al de la vida —unos y otros representan la misma realidad— para hablar de los inevitables tropiezos de la convivencia que se alternan con breves momentos de felicidad. Unas vidas llenas de sombras y aristas que la fotografía de David Omedes recoge para generar atmósferas broncas y desoladoras, con una puesta en escena entre lo teatral y lo cinematográfico, y un guión deslavazado que mira con pena a la enfermera desesperanzada, a los ancianos que reclaman cariño, al matrimonio confundido… para acabar componiendo un disco recopilatorio de sonidos que sea un bonito regalo de cumpleaños o un exitoso estreno teatral con momentos llenos de autenticidad, en las dos escenas que recogen el espíritu de la película. Leer más »

El cine indie siempre ha sido, o al menos así parece que lo hemos querido ver desde esta orilla del Atlántico, lo que los norteamericanos hacían cuando se ponían a rodar como si fueran franceses. Bueno, más o menos. Pero, últimamente, incluso esta división de plata del gran conglomerado industrial cinematográfico-estadounidense parece vivir momentos difíciles. Cuando por las calles de Sundance se mezclan los supervivientes de Seattle con gente como Paris Hilton, es que algo pasa. Y cuando los grandes estudios crean sus divisiones para hacer películas de bajo presupuesto (eso sí, muy arties, que no es lo mismo ser cutre en plan serie B que creativo a lo John Cassavetes), con sus logos calculadamente desmañados, nos reafirmamos en la pregunta: ¿qué le pasa al cine independiente?

Es más, ¿por qué la versatilidad de fórmulas que antes existía para presentar una mirada alternativa a la del grueso de la producción más comercial parece haberse reducido en los últimos tiempos a un esquema mil y una veces repetido? Es decir, el del friqui inserto en un contexto más o menos tradicional, a ser posible nevado y aislado (lo que parece devolver a la tal comunidad la condición de representativa del núcleo originario de lo que luego ha venido a llamarse Estados Unidos de América), y que por contraste acaba revelando la verdadera esencia de esos habitantes. El último ejemplo en llegarnos es “Lars y una chica de verdad”, pero hemos tenido últimamente nuestras buenas dosis con “Juno”, “Pequeña Miss Sunshine”, “Thumbsucker”, “Ghost world”, “La peligrosa vida de los Altar Boys”… Al final, uno se pregunta si la cosa no tendrá trampa: como nos demuestra la experiencia, llegado el caso los friquis pueden ser perfectamente absorbidos por el sistema y, por tanto, ver su potencial revulsivo desactivado. Y si no, que se lo pregunten a Tim Burton (que ya sé que nunca fue exactamente indie, pero friqui sí… al menos en una época).

En la imagen: Bianca y Ryan Gosling en “Lars y una chica de verdad” - Copyright © 2007 Sidney Kimmel Entertainment y John Cameron/Sarah Aubrey Productions. Distribuida en España por Versus Entertainment. Todos los derechos reservados.