Columna de opinión

Una de las dos grandes virtudes del filme es su natural y voluntaria condición de título al margen de los géneros concretos. La otra es una Tilda Swinton inmensa, consumando una transformación asombrosa ya desde los créditos iniciales.

“Julia” es una propuesta desconcertante. Es película con nombre propio, que es Julia, que es Tilda. Es un experimento fílmico sin serlo. Una mezcla inclasificable que no es mezcla. Una imprevisible cinta que fascina, descoloca, flaquea y nos sobrecarga de giros desigualmente eficaces. Un tour de force único en su especie. Es, en definitiva, Erick Zonca rizando el rizo. Una y otra vez.

Atendiendo a los primeros compases del personaje, uno podría pensar que se encuentra ante el reflejo femenino de Joe Kavanagh, el alcohólico caído en desgracia de Ken Loach. En su adicción al alcohol, Julia se embarca en noches de excesos sin freno que le llevan a tener sexo casual, despertarse en los más insospechados lugares y, en última instancia, perder su empleo. Lo que primeramente se presume como un sórdido drama, visceral y con vocación de cine social, pronto ejerce su primer giro narrativo para derivar en un thriller harto atractivo, con el secuestro del nieto de un multimillonario al que Julia pretende reclamar el dinero que le permita salir de su penosa situación vital. Sin abandonar la mirada intimista, la magnífica profundidad psicológica otorgada a su retoño, Zonca nos embarca en una road movie cuyas consecuencias, una detrás de otra, serán indistintamente imprevisibles. Y es que una de las dos grandes virtudes del filme es, precisamente, la imposibilidad de verse definido en unos pocos rasgos, su natural y voluntaria condición de título al margen de los géneros concretos. La otra, claro está, es una Tilda Swinton inmensa, consumando una transformación asombrosa ya desde los créditos iniciales.
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Con Hollywood lanzado en un loca carrera sin freno en la que el objetivo es adaptar todo lo adaptable, ya sean cómics, libros o películas de nacionalidades extranjeras y clásicos propios, parece complicado encontrar un espacio para una mansa esperanza, para algún proyecto que se tome su tiempo en fraguar, y que se realice con el cuidado que requiere la traslación a nuestros días o al lenguaje cinematográfico moderno de obras de otros formatos o tiempos. Afortunadamente, fuera de la descomunal maquinaria yanqui aún queda un hueco ─dentro también, pero más pequeño─ que puede satisfacer al espectador, ya sea ajeno o conocedor del referente del que bebe lo que observa en la gran pantalla. 

“A ciegas” transcurre en una ciudad indeterminada, en la que una extraña ceguera comienza a expandirse sin control. Es una marea blanca que lo arrasa todo, sumiendo a quienes contraen la enfermedad en un mar lechoso, denso, alejado de la negra oscuridad asociada a quienes han perdido la vista o han nacido sin ella. Cuando los organismos gubernamentales ya no sirven para nada, el hombre se enfrenta a sí mismo y a los demás… Si hay alguien apto a la hora de vestir con imágenes el maravilloso “Ensayo sobre la ceguera” de José Saramago, ese es Fernando Meirelles. Cineasta dotado de una sensibilidad desarmante a la hora de narrar sus historias, y perfecto conocedor del medio cinematográfico, se ha enfrentado con soltura y solvencia a un reto tremendo, puede que hermanado en algún modo con la odiada/admirada “El perfume”, la compleja pirueta de Tom Tykwer sobre la novela de Patrick Süskind. En ambos casos, acomodar con acierto textos profusamente descriptivos ─aunque menos, en este caso─ que relatan con pavor o pasión las virtudes de alguno de nuestros sentidos ─y el terror implícito a su pérdida─ no es tarea fácil. Leer más »

Con frecuencia se lee o escucha que tal director o guionista ha respetado a sus personajes, que no ha querido juzgarles en su comportamiento en la película. Es la actitud adoptada, por ejemplo, por Tom Kalin en la reciente “Savage grace”, al referirse a esa madre que interpreta Julianne Moore, una mujer que se siente atraída sexualmente por su hijo hasta acabar en el incesto. Aunque en sus declaraciones decía que «ciertamente no es la relación más sana del mundo», también en este caso se abstenía de hacer un juicio hacia su personaje, en una especie de huida del compromiso ante la realidad mostrada, o con una intención de dejar libre y solo al espectador en un escenario moral, al no calificar ese actuar como enfermizo y destructivo. No hay duda de que esas situaciones extremas están construidas en aras de una relación llena de complejidad que genere dramatismo y violencia emocional, que perturbe al espectador conformista y le atraiga al cine, pero da la impresión de que también existe cierta prevención a entrar a la cuestión moral, unas veces por el relativismo actual imperante y otras por un individualismo que no quiere “meterse” en campo ajeno.

Esas declaraciones y esa historia, cogida de la misma realidad, me han hecho pensar también si no sería necesario distinguir, en este punto, entre el personaje y la persona, lo mismo que entre el hecho en sí mismo —a veces, sin duda, censurable— y el individuo que lo comete —que puede ser disculpable o al menos comprendido—. Porque está claro que hay que andarse con cuidado si se juzgan comportamientos de los que se desconocen circunstancias personales y matices necesarios, o sobre situaciones que a uno no le incumben ni le atañen en absoluto. Pero cuando estamos ante una obra de creación, de ficción, ya no podemos considerar a esos individuos como personas sino como personajes: no son entonces seres concretos y reales, que merezcan nuestro beneplácito acerca de un posible actuar “insano” o “poco ético”. En la pantalla, han pasado a ser meras representaciones, unos modelos de comportamiento, más o menos matizados, más o menos verosímiles, y como tales arquetipos que se muestran al espectador ya podrían ser susceptibles de un juicio moral… respetuoso, pero claro siempre que sea necesario. Otro tema distinto sería determinar qué es bueno o malo para el individuo o la sociedad —aunque algunos principios básicos, como el del incesto, parecen evidentes y aceptables por todos—, pero ahora únicamente quería fijarme en esa diferenciación entre persona y personaje, en ese miedo de algunos a tomar una postura moral, en esa “falta de ética” disfrazada de “tolerancia”.

En la imagen: Escena de “Savage grace” - Copyright © 2007 Monfort Producciones, Killer Films, Celluloid Dreams Productions y A Contra Luz Films. Distribuida en España por Sherlock Films. Todos los derechos reservados.

Pues sí, porque no son muchas las ocasiones en las que una película pequeña, de un país con escasa producción cinematográfica y más que azarosa distribución, reina en un fin de semana de estrenos. Pero es que la rumana “4 meses, 3 semanas, 2 días” cuenta ya por éxitos sus comparecencias en festivales y certámenes varios: Palma de Oro en Cannes, triunfadora en los Premios Europeos… Por fin, todos los cinéfilos tendrán ocasión de saber por qué ha tocado el corazón de tanta gente esta historia sobre las mujeres obligadas a abortar de manera clandestina y en las peores condiciones en la Rumanía de Ceauşescu.

Del resto, lo más interesante también viene tocado por el aura de lo pequeño: porque pequeña es la nueva propuesta del Sean Penn director, “Hacia rutas salvajes”, aunque eso no ha evitado que se haya llevado su ración en las nominaciones para los Oscar®. Y hay otras cosas pequeñas, pero menos interesantes, como ver a Belén Rueda y Julianne Moore compartiendo cartel. Y alguna grande, pero que da sensación de déjà vu, incluida la supertaquilla que previsiblemente hará: sí, claro, hablamos de “Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra”, ¿de cuál si no?

En la imagen: Fotograma de “4 meses, 3 semanas, 2 días” - Copyright © 2007 Mobra Films. Distribuida en España por Golem. Todos los derechos reservados.