Columna de opinión

Una de las dos grandes virtudes del filme es su natural y voluntaria condición de título al margen de los géneros concretos. La otra es una Tilda Swinton inmensa, consumando una transformación asombrosa ya desde los créditos iniciales.

“Julia” es una propuesta desconcertante. Es película con nombre propio, que es Julia, que es Tilda. Es un experimento fílmico sin serlo. Una mezcla inclasificable que no es mezcla. Una imprevisible cinta que fascina, descoloca, flaquea y nos sobrecarga de giros desigualmente eficaces. Un tour de force único en su especie. Es, en definitiva, Erick Zonca rizando el rizo. Una y otra vez.

Atendiendo a los primeros compases del personaje, uno podría pensar que se encuentra ante el reflejo femenino de Joe Kavanagh, el alcohólico caído en desgracia de Ken Loach. En su adicción al alcohol, Julia se embarca en noches de excesos sin freno que le llevan a tener sexo casual, despertarse en los más insospechados lugares y, en última instancia, perder su empleo. Lo que primeramente se presume como un sórdido drama, visceral y con vocación de cine social, pronto ejerce su primer giro narrativo para derivar en un thriller harto atractivo, con el secuestro del nieto de un multimillonario al que Julia pretende reclamar el dinero que le permita salir de su penosa situación vital. Sin abandonar la mirada intimista, la magnífica profundidad psicológica otorgada a su retoño, Zonca nos embarca en una road movie cuyas consecuencias, una detrás de otra, serán indistintamente imprevisibles. Y es que una de las dos grandes virtudes del filme es, precisamente, la imposibilidad de verse definido en unos pocos rasgos, su natural y voluntaria condición de título al margen de los géneros concretos. La otra, claro está, es una Tilda Swinton inmensa, consumando una transformación asombrosa ya desde los créditos iniciales.
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La rica y ya larga tradición del cine social británico parece haber encontrado en Shane Meadows uno de sus últimos eslabones. “Somers Town”, su última cinta, pone su ojo en la cara oculta de un país antaño poderoso y rico, pero inmerso desde hace décadas en una larga decadencia que repercute, sobre todo, en las capas de la población más desfavorecidas. Unas capas normalmente compuestas en su mayoría por trabajadores afectados por las sucesivas crisis y ajustes económicos, a los que, en los últimos tiempos, han venido a sumárseles los grandes contingentes de trabajadores extranjeros al calor del boom económico recién finalizado (que han irrumpido, también, en las últimas películas de Ken Loach, el pope por excelencia del cine social británico).

Sin embargo, Shane Meadows, a pesar de beber conscientemente de esa fuente, no deja de ser también un hijo de su tiempo. Y así, no debería extrañarnos que en “Somers Town” no aparezca la visión ideologizada, la mirilla política, sino una búsqueda de la emoción que surge natural en la interacción entre los dos protagonistas de la película: el adolescente de Nottingham Tomo (Thomas Turgoose), que ha escapado de su casa y deambula por Londres; y el polaco Marek (Piotr Jagiello), hijo de un inmigrante polaco que trabaja en las obras de construcción de la nueva estación de San Pancras, a la que llegará el Eurostar (el tren que une Londres y París a través del canal de la Mancha). Ambos son mucho más que arquetipos utilizados para exponer una tesis (algo habitual, por cierto, en el cine de Loach), sino personajes con entidad propia, en una situación triste y solitaria que, sin embargo, no parece necesariamente llamada a la tragedia. Leer más »

No son muchas las películas de calidad que el mes de septiembre nos ha dejado en la cartelera, pero podemos recomendar algunas. Para empezar, un western redondo por su narrativa y crepuscular por su temática: “El tren de las 3:10”, intenso remake del clásico de Delmer Daves, con Christian Bale en el personaje del padre honrado que se ve obligado a usar la pistola para obtener una recompensa y sacar adelante a su familia, y donde Russell Crowe da vida a un bandido que esconde un pasado con heridas sin cicatrizar. Cine para la posteridad sobre dos hombres bien dibujados en el guión y un niño que mira a ambos con la admiración y el desengaño del adolescente. Y hablando de niños, el espectador también gozará con “El niño con el pijama de rayas” —tanto o más que con la novela—–, historia sentimental de amistad entre un alemán y un judío, con los campos de concentración nazi de fondo, todo contemplado desde la mirada inocente de un niño.

De estilo diametralmente opuesto es la fantasiosa “Hellboy II: El Ejército Dorado” de Guillermo del Toro, sugestiva en lo visual y esquemática en el retrato de personajes —como corresponde al cómic— y, sobre todo, entretenida y nada pretenciosa. Y para los amantes del cine europeo, una francesa y una española, de tonos y géneros dispares: “Un verano en la Provenza” supone una nueva incursión —un poco complaciente y convencional, pero agradable— en el ambiente rural francés, en busca de la felicidad de lo natural y de la estabilidad familiar y afectiva; mientras que “El rey de la montaña” es una muestra más del vigor de los jóvenes talentos hispanos que buscan en el thriller su modo de conectar con un espectador que abandona las salas, aquí con reflexión incluida acerca de la naturaleza salvaje del hombre y de la perniciosa influencia de ciertos juegos de rol y algunos videojuegos en la mente infantil y juvenil. Leer más »

Diversas circunstancias han propiciado que en pocos días haya visto la película japonesa “Hula girls”, la última del británico Ken Loach (“En un mundo libre…”) y “La leyenda del tiempo” de Isaki Lacuesta. Tres cintas de diverso tono y mentalidad, pero con puntos de conexión que reflejan nuestro mundo globalizado y el carácter transnacional que el cine está adquiriendo. La primera resonancia que me suscitó “Hula Girls” era el cine social de Loach, pero dejando la sensación de que su reconversión industrial se había descafeinado, de que el realismo y la cruda denuncia británicos habían dejado paso a la inocencia y sensibilidad nipona. Vemos que en el nordeste de Japón también se cierran minas de carbón y hay accidentes laborales, lo mismo que surge una jovencita que quiere hacer de “Billy Elliot. Quiero bailar” y desafiar las normas que la tradición marca. Sin embargo, los obstáculos familiares y sociales no pasan de ser una piedrecita en el camino, que la constancia y el tiempo diluirán, para terminar en un baile lleno de color, emoción y lágrimas —sin duda lo mejor de una cinta muy naif y previsible—. Nada que ver con la reivindicación, enfrentamiento y revuelta social que se respiraban en las cintas anglosajonas, sentimientos aquí sometidos y no mostrados, salvo con alguna bofetada, como exige su formación oriental en la abnegación y la discreción.

Mentalidad japonesa, profundamente sensible pero de una sobriedad extrema en sus apariencias, con delicados rostros que parecen frágiles cerámicas o frías máscaras de teatro de marionetas. Una aparente paradoja que se explica por su multisecular tradición, y que sufrió una asombrosa transformación hacia la modernidad con la “invasión cultural” norteamericana tras la 2ª Guerra Mundial. Pero también los japoneses nos han invadido con su tecnología y sus turistas —provistos de una cámara de fotos—, y han llegado hasta los más diversos rincones del planeta. De ahí su afán por empaparse y abrirse a las culturas más dispares, una actitud que en las cintas referidas les lleva, por ejemplo, a importar el baile hawaiano “hula” o el flamenco de la isla de San Fernando. Esto es lo que le llamó la atención al catalán Isaki Lacuesta y lo que plasmó en “La leyenda del tiempo”, una película de registro documental que recoge dos historias, una de ellas centrada en Makiko, una joven enfermera japonesa que lo abandona todo para venir a la isla de Camarón y aprender directamente su cante. Detrás de este viaje se adivina, como en el de sus compatriotas que asisten a clases de baile flamenco, un deseo de expresar la riqueza de sentimientos que llevan dentro, de encontrar nuevos cauces para dar salida a un volcán de emociones, dormido pero no muerto. Ahora bien, ¿qué saldrá de esta simbiosis artística entre el formalismo ritual japonés y la improvisación-explosión vitalista de lo hawaiano o flamenco? Será interesante seguir su estela.

En la imagen: Fotograma de “Hula girls” - Copyright © 2006 CineQuanon, Happinet y SDP. Distribuida en España por Mediatres Estudio. Todos los derechos reservados.

Pues no nos van a llegar todas las películas en la recta final de los Oscar® (para poder ver la más que prometedora “La familia Savages”, todavía tendremos que esperar al 4 de abril), pero este fin de semana por fin se completa el panorama de las principales candidatas en nuestras pantallas. Ahora bien, permítanme que la primera aquí mencionada sea la sólo aparentemente pequeña “Luz silenciosa”, de ese director que crece a cada nueva entrega y que todo parece indicar está llamado a grandes cosas, Carlos Reygadas. Una película exigente como toda verdadera obra de arte, pero en cuyas esquinas, a buen seguro, anida la belleza. Hallarla es la mejor de las recompensas para quien se adentre en ella.

Claro que tampoco nos falta la vertiente más prosaica del cine, como volver a encontrarnos con Julia Roberts y Tom Hanks, dos de los reyes del Hollywood comercial más presentable, a lomos de una sátira política, “La guerra de Charlie Wilson”, en la que van escudados por un siempre estupendo Philip Seymour Hoffman, más que merecedor de su nominación al Oscar® como mejor actor secundario. Ni tampoco el celuloide más combativo, con un Ken Loach dedicado a lo que mejor se le da, contarnos lo que está pasando ante nuestras narices aunque no lo queramos ver. “En un mundo libre…”, como siempre en su filmografía, es un título que nos habla de todo lo contrario, pero es que nos lo cuenta tan bien que ¿cómo llevarle la contraria?

En la imagen: Fotograma de “Luz silenciosa” - Copyright © 2007 NoDream Cinema y Mantarraya Producciones. Distribuida en España por Golem. Todos los derechos reservados.