Columna de opinión

“Tetro” es un dilatado capricho que quiere pertenecer a otro tiempo, que el director parió acordándose de las sesiones de cineclub que miraban al cine europeo de los 50 y 60. Es, digámoslo así, la autoría soñada, la cuenta pendiente de Coppola.

“Tetro” es Coppola de arte y ensayo. Ese cineasta que forjó su leyenda librando monumentales batallas con los grandes estudios y que hoy da rienda suelta a sus ínfulas de auteur más aplacadas. Su última película es, efectivamente, una de la más personales de cuantas ha firmado, si no la que más. Una radiografía del autor, del genio en el seno del competitivo contexto familiar que nos remite irremediablemente a la saga misma de los Coppola (piensen en Eleanor y Sofia Coppola y acertarán). “Tetro” es, por qué no, un dilatado capricho que quiere pertenecer a otro tiempo, que el director parió acordándose de las sesiones de cineclub que miraban al cine europeo de los 50 y 60. Es, digámoslo así, la autoría soñada, la cuenta pendiente que el director de “La conversación” tenía consigo mismo y con los admirados de su juventud. Y sí, por supuesto, tiene mucho de homenaje que se traduce sin ir más lejos en menciones a “Las zapatillas rojas” y “Los cuentos de Hoffman” de Michael Powell y Emeric Pressburger.

Y luego está Fellini. Menciona Coppola “La dolce vita” en sus notas y no es por casualidad. Hay reminiscencias del maestro italiano desde la autoría atormentada al vodevil de los excesos, un teatrillo bonaerense de mala muerte que escenifica la razonable pero no deliciosamente grotesca “Fausta”, reverso femenino de la obra goethiana. Encima irrumpe Carmen Maura y su personaje resulta ser un hijo bastardo de Fellini, una crítica literaria de nombre Alone, paradigma de la pose intelectual y altivo muñeco de cera bien ejecutado por la madrileña. Pero es este sólo un adelanto, un preludio al clímax y conclusión de “Tetro”: el Festival de la Patagonia es ese escenario definitivo en el que se pretenderá el cuadro fatídico de cierta aristocracia cultural, las miserias expuestas de la alta sociedad sin la hiriente, casi terrorífica crueldad felliniana. Es decir, Coppola fagocita a Fellini, y “Tetro” termina siendo más un sentido homenaje que una poderosa emulación al riminés. Leer más »

Una vez más, Coppola demuestra autocomplacencia e incapacidad de podar su cinta. Demasiada pretenciosidad y barroquismo, demasiado ensimismamiento y ramificación para una historia lúgubre y sombría, pesada y aburrida.

Tratándose de Francis Ford Coppola, no extraña que la familia sea el tema de su nueva película “Tetro”, ni tampoco que la historia adquiera tintes trágicos y se construya con una narrativa tortuosa y excesiva. Independencia creativa para elaborar una cinta barroca y ensimismada, con un poso autobiográfico y una puesta en escena a ratos pretenciosa en su voluntad de dejar el sello de autor. Lo tiene, sin duda, pero de poco le sirve al trazar una historia farragosa y pesada, demasiado larga y alambicada, conseguida en lo visual —especialmente en su arranque— pero fallida en lo narrativo, pues pronto se estanca y no avanza, para precipitarse hacia el esperpento en su tercio final. Coppola nos ofrece un cansino viaje hacia la propia identidad, cercenada por un padre egocéntrico que anula y roba al hijo su talento, su amor y su futuro, por un hermano que quiere romper con su familia y otro que trata de reencontrarse con ella, por unos desencuentros en el pasado que traen más sombras que luces al presente.

Rodada en un blanco y negro fuertemente contrastado, como si quisiera bucear en ese pozo de misterio y oscuridad del alma de Tetro, la planificación está cuidada en su composición y abundan las angulaciones que buscan la amargura y dramatismo de sus personajes. El resultado de esta barroca opción visual son los muchos rincones en penumbra, los abundantes puntos oscuros de su historia, la tortuosa personalidad de unos individuos que huyen de algo que sigue atormentándoles. Ese “algo” del pasado irá esclareciéndose con varios flashback en color, recurso del que se abusa y que termina conduciendo la mirada del espectador en una sola dirección, destruyendo los matices de una personalidad compleja, explicitando lo que durante tantos años había sido celosamente custodiado en unos manuscritos escritos en clave. Leer más »

Estamos a las puertas de la Gala en la que se repartirán los Premios Goya, y todo son cábalas y campañas de apoyo a favor de unas o de otras. En cuanto a candidauras,  “Los girasoles ciegos”  va a la cabeza con 15 nominaciones. A estas alturas, todos hemos hecho nuestras quinielas… y sinceramente cuesta encontrar alguna propuesta que me haya encandilado y que merezca el título de “gran película”. Evidentemente, las ahora nominadas y algunas otras tienen elementos artísticos e interpretativos —más que de guión o dirección, más bien pobres— de sobrada calidad, pero de ahí a felicitarnos por nuestro cine… No me hubiera costado mucho sacar tres o cuatro grandes títulos de cualquier cinematografía europea —y eso que a la cartelera no nos llega demasiado—, pero puestos a buscar en el suelo patrio… sólo algunas como “Casual day”, “El nido vacío” (coproducción con Argentina y Francia) o “El truco del manco” merecen mi apoyo incondicional. Del resto, de las nominadas, sólo la fotografía, la música, el diseño de producción…. algunas interpretaciones como las de Maribel Verdú o Benicio del Toro merecen el aplauso; pero directores… los busco y no los encuentro entre un país de ciegos (no me refiero a los girasoles sino a quienes los cultivan) donde el tuerto es el rey.

Definitivamente, lo del año pasado con “La soledad” y la Academia fue un espejismo. Jaime Rosales logró lo imposible y parecía que, por fin, se reconocía la calidad por encima de otros intereses comerciales o de amiguismos lastrantes. El tiempo no ha tardado en quitarnos la razón, y hemos vuelto —la Academia, se entiende— a los mismos terrenos de siempre: una apuesta por lo convencional y por lo que puede dar resultado en taquilla, por directores del pasado que dan más de lo mismo, por la ausencia de riesgo y por una mínima valoración de lo que supone el lenguaje de la imagen. Como siempre, sucede que para triunfar… hay que salir fuera, puesto que las grandes películas españolas son las de la Quincena de Realizadores de Cannes, por ejemplo, mientras que festivales como Málaga o la misma Academia acaban reconociendo la mediocridad con sus premios. Leer más »

Pocas dudas cabe abrigar acerca de cuál será el estreno—de entre los que llegan a la cartelera esta semana— que reventará las taquillas de las salas españolas: sí, sí, ése del osito tan simpático e inquieto que, por cortesía de DreamWorks, pondrá a una numerosa legión de padres a hacer colas ante los puntos de venta de entradas, acompañados de esa no menos numerosa legión de críos ilusionados y expectantes. ¿Algo que objetar? No, no, nada. Al fin y al cabo, este humilde escribiente está destinado a ser un legionario más, integrante de dichas huestes —y de ello espero poder darles cuenta, llegado el momento—. Pero, a título estrictamente personal, no es, ciertamente, “Kung Fu Panda” la propuesta que más llama mi atención, sino la que constituye el estreno de cine español de la semana —proveniente de esa feraz cosecha que proporcionó el Festival de Málaga en su edición del presente año—, la nueva entrega del director Juan Cavestany, que, con el nombre de “Gente de mala calidad”, llega a nuestras pantallas, y de cuya presentación en la “capital del reino” rendía cuenta hace sólo unos días Alfredo Manteca en la sección de noticias de esta casa.

Cavestany, que cuenta, como mayor aval, con el precedente del magnífico éxito de taquilla que, hace tan sólo cuatro años, tuvo su (codirigida) ópera prima, “El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo”, se enfrenta, en esta ocasión, a un empeño nada fácil, como es el de estar a la altura (naturalmente, comercial) de ese debut, sin contar con un gancho del calibre de Santiago Segura —un actor sobre cuyas solvencia y excelencia artísticas se podrá discutir mucho, pero cuyos datos recaudatorios ofrecen poco lugar a la objeción o el debate: su presencia en cartel asegura números sustanciosos—. ¿Será suficiente la expectativa que pueda despertar un reparto en el que no faltan nombres tan “campanilleros” como los de Alberto San Juan, Fernando Tejero o Maribel Verdú? ¿Estará el público —tan reacio, en tantas ocasiones, a dar su pláceme a temáticas propias y cercanas— interesado en una trama en la que, según todas las informaciones avanzadas a priori, habrá cabida para elementos tanto de drama como de comedia, en una de esas mezclas “explosivas” llenas de atractivo (y peligro)? Incógnitas que sólo se desvelarán a lo largo de los próximos días. Ojalá que los dedos apunten hacia arriba: nuestro cine lo necesita…

En la imagen: Fotograma de “Gente de mala calidad” - Copyright © 2008 Telespan 2000 y Telecinco Cinema. Distribuida en España por Manga Films. Todos los derechos reservados.

Tras la triple metedura de pata en los prolegómenos de los Goya —el affaire de los cortos y de la música original, y la supresión de los premios al cine europeo—, la Academia se encaminaba hacia otro precipicio en la gala de entrega de premios. Algunas de las candidaturas habían levantado más de una suspicacia —véase la cantidad de nominaciones de “Las 13 rosas”, o las de “Oviedo Express” y “El Prado de las Estrellas”—, y parecía mirar hacia otro lado obviando unos resultados de taquilla sonrojantes. Por eso, su presidenta, Ángeles González-Sinde, se cuidó en la ceremonia en subrayar cómo el cine español era sólido (¿?) y sí caminaba “a alguna parte”, en un guiño al fallecido Fernando Fernán-Gómez. Pero tendríamos que preguntarnos a qué parte se dirige, y dónde se asienta su solidez. Es necesaria mucha más autocrítica y menos excusas sobre la invalidez de la taquilla para medir la salud del cine, sobre la preferencia del espectador por verlo en el sofá de su casa. Porque es evidente que ante una buena película, la gente irá a verla a la sala, como siempre ha hecho; y ante una película mediocre… pues en el mejor de los casos esperará a verla en el calor del hogar cuando salga en DVD.

Pero afortunadamente, los académicos fueron coherentes con esa máxima acerca de que el cine no sólo se mide en la taquilla, y dieron a Jaime Rosales y a “La soledad” los dos principales galardones: mejor película y director. Bien merecidos se los tenía, y no hubieran estado de más otros Goya —aparte del mejor actor revelación que recibió José Luis Torrijo— como los de montaje (qué habrán visto a “[Rec]” en este apartado, cuando se apoya fundamentalmente en el plano secuencia) o alguna interpretación femenina. Una cinta de bajo presupuesto y lejos del gusto de un público cómodo, arriesgada y original, triste pero honesta, con personalidad y sin complejos hacia lo extranjero. Del resto de premios, pues más o menos bien: enhorabuena a Maribel Verdú, a Alberto San Juan, a Roque Baños, a José Luis Alcaine… y, por supuesto, a Juan Antonio Bayona por “El orfanato”, a quien no le podemos negar su mérito y buen hacer, y del que esperamos grandes cosas. Nos hubiera gustado ver un Goya al cine europeo —igual lo han quitado por carecer de tirón para traer a la Gala a los responsables (¿?)— y también algún reconocimiento a Icíar Bollaín y a José Luis Garci, que tampoco merecían irse de vacío en algún apartado de interpretación o técnico. Sin embargo, en esta recta final es justo reconocer a la Academia que ha rectificado el rumbo y ha acertado, que ahora sí ha apostado verdaderamente por el cine español sin dejarse llevar por la taquilla, por las amistades o por lo políticamente correcto. Incluso José Corbacho estuvo simpático y comedido, dentro de su estilo gamberro y un tanto provocador, aunque todo pareciera reciclado.

En la imagen: Escena del rodaje de “La soledad” - Copyright © 2007 Wanda Visión, Fresdeval Films e In Vitro Films. Distribuida en España por Wanda Visión. Todos los derechos reservados.