Columna de opinión

“Fighting: Puños de asfalto” es sencilla y honesta en sus planteamientos como lo era “Memorias de Queens”. Un efugio nada mainstream, pretendidamente sencillo y capaz de destilar la sensibilidad del autor al que el subgénero le niega tal título.

Dito Montiel lo tuvo más fácil con “Memorias de Queens”. Su relato autobiográfico podía permitirse apelar al gran público sin abandonar la impronta autoral, llamar al corazoncito del espectador con los ingredientes mismos del mejor Scorsese o contando otra historia del Bronx. Ya saben: la preservación de la inocencia en un contexto listo para reventarla a cada paso, con padrinos, padres y chicos necesitados de esas guías para reconocer a sus santos. Excusa perfecta, en cualquier caso, para descubrir a un cineasta portentoso captando la atmósfera de las calles, que te hace vivir Queens, sentir Queens y oler el tufillo de cada callejón, de cada puesto de comida en un asfixiante verano de la Gran Manzana. De no haberse lanzado a la piscina, quizás Montiel hubiera recibido las mismas alabanzas (o sólo unas pocas menos) repitiendo la fórmula, volviendo a las malaventuradas malas calles de sus memorias para asegurarse la confirmación de gran autor.

En un mundo más justo, quizás “Fighting: Puños de asfalto” pudiera ser esa confirmación. Pero lo cierto es que la temática escogida por Montiel para su segunda película se convierte, casi inconscientemente, en una tara para todo aquel que crea en el descrédito del subgénero de la lucha callejera. Y eso pese a volver a superaciones personales en submundos hostiles, y eso pese a la firma que no se ha desdibujado ni un ápice. Si en “Memorias de Queens” eran memorables Frank the Dog Walker y Baker Street, en “Fighting: Puños de asfalto”, la cover de Randy Crawford de Street Life suena mientras Shawn MacArthur (Channing Tatum) camina entre la ebullición de las aceras neoyorquinas. O sea, que Montiel continúa atrapando olores, imágenes a pie de calle con chavales buscando dinero fácil entre trapicheos y timos de poca monta, entre trabajillos de ocasión conseguidos por protectores de medio pelo que una vez perdieron su dignidad. Leer más »

El sueño de todo chico que encuentra a la chica ideal, atractiva, perspicaz e inteligente, con la que comparte gustos y opiniones —y otras favorables coincidencias como que su padre sea el editor discográfico de su banda favorita—, ese sueño debería vivirse siempre en un autocine. Los jóvenes de hoy ya no acuden a sesiones golfas ni a maratones draconianas de serie B a lomos de sus coches desconchados, en principio, porque no pueden. Hasta la fila de los mancos ha sido anulada de los multicines y las parejas no tienen que excusarse con celuloide para tender trampas amorosas y citas a tientas: como la pandilla de la inolvidable “American Graffiti” (George Lucas, 1973), los pipiolos de “Nick & Norah: Una noche de música y amor” suscriben esos tres pilares que aún fundamentan la vida adolescente, aunque la barriada haya dado paso a la Gran Manzana y la comedia romántica tome el relevo de una generación que se ha librado de las responsabilidades y la madurez impuestas en los finales infelices de sus padres.

Con evidentes pretensiones de mantener coleando el efecto trendy de “Juno” (Jason Reitman, 2007) —de la que toma tanto el diseño gráfico de sus títulos de crédito como a Michael Cera, quien continúa siendo una estatua de ídem—, la película contextualiza adolescentes de cierto poder adquisitivo entre elementos que han pasado a distinguir un entorno urbano y una edad de paso: borracheras fuera de control, el teléfono móvil como nueva telaraña social, vehículos tuneados, vasos de plástico, gays emo, el concierto en la azotea como remanso de claridad vital, y chicos que aún no han cumplido la mayoría de edad, pero que queman la noche hasta el amanecer sin ninguna presencia adulta en el reparto. Sin demonizar ni loar esas situaciones, extremos que habrían incordiado a sus espectadores potenciales o a sus progenitores, “Nick y Norah…” carece del humor corrosivo de un “¡Jo, qué noche!” (Martin Scorsese, 1985) y de cierto distanciamiento temporal deseable en quien retrata juergas de juventud, pero supera la prueba al tratar con respeto y como seres inquietos a sus imberbes personajes. Leer más »

Estrenada con un inexplicable retraso de más de tres años, “Romanzo criminale” llega a nuestras pantallas a rebufo de “Gomorra” e “Il divo”, sumándose por tanto a una cierta tendencia del cine italiano que mira hacia algunos de los episodios más descarnados de la historia reciente de su país. Este afrontamiento de los fantasmas de la camorra o de Giulio Andreotti es respondido, afortunadamente, con la fascinación de un público que revitaliza la salud de la filmografía transalpina en las salas españolas. Esta crónica de gángsteres romanos y convulsos paisajes políticos y sociales a lo largo de más de dos décadas, sin duda aportará un valioso granito de arena al montón.

“Romanzo criminale” nos cuenta la historia de tres amigos de la infancia en su ascenso, relevo y caída del trono de la mafia romana. Comienza con fuerza, con un prólogo que establece los lazos ligados entre ellos en su infancia y las razones de sus apodos (que luego se reafirmarán con títulos à la Guy Ritchie). Tras esta breve presentación, saltamos al momento en el que se han convertido en ambiciosos jóvenes, sedientos de poder y dinero, y es aquí donde comienza la exhaustiva crónica de Michele Placido: a lo largo de dos horas y media asistimos a una narración que bascula entre lo fascinante y lo llevadero, hábilmente hilvanada y ejecutada con una solvencia envidiable. En ningún momento “Romanzo criminale” deja decaer un ritmo incesante y medido en un relato eficazmente estructurado en tres capítulos que corresponden a los tres respectivos reinados de los protagonistas. Leer más »

Últimamente, y merced a la influencia de dos expertos como Quentin Tarantino y Guy Ritchie, el cliché vuelve a amenazar a las películas de pistoleros, asesinos a sueldo y demás habitantes del hampa que se oculta en el subsuelo de las ciudades. Así, lejos del clasicismo de los Scorsese y compañía, lo representativo de la modernidad han pasado a ser unas narraciones pobladas por personajes con un pie en lo friqui y otro en lo despiadado, que llevan al extremo la capacidad para tener siempre la adecuada (e ingeniosa) respuesta que definía a los héroes salidos de plumas como las de Dashiell Hammett, y expertos en moverse en situaciones rayanas en el surrealismo.

Por momentos, parecería que “Escondidos en Brujas” sería un título más a unirse a la lista, con su historia de dos asesinos a sueldo enviados a esa ciudad medieval (incluso, quizá fuera más acertado decir que es un lugar congelado en el tiempo, que en pleno siglo XXI parece seguir inmerso en el XV) para esperar instrucciones después de que un encargo no saliera exactamente como lo planeara su cruel y exigente jefe. Aquí también tenemos la lengua ágil, las situaciones extrañas (el rodaje de una inclasificable secuencia onírica de una película europea con enano incluido). Pero enseguida comprendemos que hay algo más, que su director, dramaturgo reconocido, ha querido llevar las cosas más lejos, componiendo un escenario en el que la ciudad se convierte en un punto de fin de recorrido, una especie de purgatorio donde todas las salidas están tapiadas… y no es lo mismo que te quieran decir eso cuando lo narrado transcurre en un sitio donde a cada paso te rodean las gárgolas, la crueldad descarnada de la que era capaz la pintura flamenca, o el mundo grotesco de El Bosco. Leer más »

¿Puede ser mala una película que ofrezca un tour de force entre dos monstruos de la interpretación como Laura Linney y Philip Seymour Hoffman? Sinceramente, no lo creo; el resultado será más o menos bueno, pero casi habría que aplaudir a la directora Tamara Jenkins si “La familia Savages” (misterio misterioso por qué le han añadido una letra al apellido de los hermanos Savage en el título español) fuese un bodrio. No parece ser el caso; desde luego, servidor se va a repantingar este fin de semana en una buena butaca de una sala de cine, y se va a dejar llevar por su adorada Laura y su entrañable Philip. Ya les contaré.

Por lo demás, la cosa viene musical: de unos antiguos rebeldes que ya lo son más de pose que otra cosa (The Rolling Stones y el documental de hiperlujo firmado por Martin Scorsese, “Shine a light”), a otro cuya rebeldía hoy se antoja más genuina, el genial Joe Strummer, cantante de The Clash fallecido hace seis años, cuyo retrato firma su amigo Julien Temple en “Joe Strummer: Vida y muerte de un cantante”. Junto a ellos, otro documental, esta vez con un leve tufillo a idea maravillosa un tanto secuestrada últimamente por la mercadotecnia (la “radio de los locos” de “LT22 Radio La Colifata”); una de magos sin las complejidades de “El truco final (El prestigio)” (“El último gran mago”); y un par de thrillers (“Rastro oculto” y “The contract”) que, a pesar de contar con algunos nombres de prestigio, no terminan de darme muy buena espina…

En la imagen: Philip Seymour Hoffman y Laura Linney en “La familia Savages” - Copyright © 2007 Fox Searchlight Pictures, Lone Star Film Group, This Is That, Ad Hominem Enterprises y Cooper’s Town Productions. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.