Columna de opinión

La sombra de “Los chicos del coro” es alargada y bajo ella se cobija Christophe Barratier. “París, París” apunta a aquella, pero queda lejos al intentar reproducir su ternura, amabilidad, romanticismo, humor o tragedia. 

La sombra de “Los chicos del coro” es alargada y bajo ella se cobija Christophe Barratier, que ahora vuelve a echar mano de Gérard Jugnot, Kad Merad y del niño Maxence Perrin para atraer a un público cautivo por los buenos sentimientos y los ambientes entrañables. Pero es también una sombra que puede oscurecer cualquier proyecto, porque el nuevo intento difícilmente logrará despegarse de ella y superar la prueba de la comparación. “París, París” es la crónica de un espectáculo de variedades que encierra muchas historias de amor y amistad, de lucha por unos ideales que van más allá de los enfrentamientos políticos en la Francia del 36, y también de un espíritu de superación y realización artística en un entorno de vodevil donde el talento se confunde con el entretenimiento y la imitación.

La película comienza con Pigoil, director del espectáculo Chansonia, declarando ante a policía acusado de asesinato, de forma que toda ella viene a ser un largo flashback que nos cuenta lo sucedido entre esas cuatro paredes, cuando unos artistas de barrio luchan una y otra vez por sobreponerse al fracaso y la mezquindad del propietario Galapiat, y el amor intenta abrirse paso entre la necesidad de sobrevivir y labrarse un futuro de estabilidad. Bajo esa perspectiva se puede contemplar como un fresco costumbrista en que la cámara se acerca a unos tipos populares, les sigue por los vericuetos del local —con un travelling inicial realmente virtuoso— y se adentra en sus almas —un tanto resecas y esquemáticas— para dibujar con poca fuerza el drama personal, la emoción romántica o la lucha política de bandos enfrentados. Pero el telón se baja al término de la cinta, con lo que también podríamos verla como espectadores que asisten al mismo teatro de revista que los personajes representan, de forma que el escenario acogería el drama familiar de un padre que pierde la custodia de su hijo, de una pareja de enamorados acosados por un viejo verde y arrogante, de unos artistas que se esfuerzan por encontrar su lugar en el espectáculo.
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El estreno de la nueva película de Baz Luhrmann, antaño abanderado del posmodernismo cinematográfico (ahí permanece ese estupendo monumento al kitsch conocido como “Moulin Rouge”), ha venido a sumarse a la tendencia del cine norteamericano de revivir los clásicos. Incluso, los géneros que habían sido dados por muertos (del western de “El tren de las 3:10” o “Appaloosa”, a una screwball comedy como “Un gran día para ellas”), renacen sin ningún tipo de parodia o intención revisionista. Y es que ni siquiera para “Australia” nos vale mencionar el antecedente de “Memorias de África”, pues el tono ingenuo y por momentos rayano en lo cursi de la cinta de Luhrmann posee un humor del que carecía la firmada por Sydney Pollack.

Así, no es de extrañar que todo en la estética (especialmente esos atardeceres imposibles, retratados en tonos pastel que recuerdan inmediatamente los vistos en las primeras cintas en Technicolor) y en la historia narradas retrotrae, sin ningún tipo de complejo, a aquellas grandes películas de cuando la gente se encerraba en el cine a disfrutar durante tres horas de “aventuras más grandes que la vida”. Aquí están los componentes: una historia de amor, un niño adorable, un escenario exótico que regala una impresionante colección de postales, un villano de una pieza… y un trasfondo histórico de guerra y catástrofe que lo envuelve todo. O sea, que no es lo que precisamente nadie diría un esquema original, pues lo hemos visto repetido mil veces en las pantallas y en la televisión, desde “Lo que el viento se llevó” a “Cuando ruge la marabunta”… Si a eso sumamos el viaje iniciático y mágico de “El mago de Oz” (omnipresente referencia en esta película), tendremos destilada la esencia de aquella época gloriosa del cine… e inyectada en vena, sin ningún tipo de complejo, a lo largo de los 155 minutos de proyección. Leer más »

Hay mucha gente que acude al cine deseando vivir una larga y preciosa historia de amor, labrada desde la indiferencia y el infortunio hasta un dramático final donde las lágrimas surjan de la emoción por la felicidad alcanzada. Será una odisea en la que haya un viaje y una aventura personal, amenazados por un personaje malvado y una guerra que separe a los jóvenes enamorados. También debe incluir un buen motivo de lucha en pro de la igualdad o la justicia, y un elemento que una a sus personajes y les dé fuerzas para continuar en su misión a pesar de los reveses de la “vida de ficción“. En definitiva, una buena historia que contar, llena de sueños y deseos que ayuden a sentirse de una tierra y a forjar una identidad. Si alguna película contiene estos elementos de amor y superación, patriotismo y defensa de los marginados, mezquindad y buenos sentimientos, esa es “Lo que el viento se llevó”, y a ella ha querido mirar, entre otras, Baz Luhrmann en su “Australia”.

El director de “Moulin Rouge” no pretende ahora reinventar un género ni provocar a los puristas como hiciera en “Romeo y Julieta”. En esta epopeya homenajea al cine americano más clásico, sin apartarse un ápice de sus convenciones y concesiones. Quiere creer en el poder de la magia —de los sentimientos, de los lazos de un pueblo— y traslada la fuerza de “El mago de Oz” a un mestizo de la generación perdida australiana. También busca la complicidad de una pareja que comienza odiándose —o quizá sólo buscando sus propios intereses— para después necesitarse con pasión en torno a la tierra roja de Tara (perdón, de Faraway, la hacienda ganadera). Luhrmann ha querido construir, en realidad, un canto de amor a su país, una alegoría sobre la construcción de un pueblo mezcla de sangre británica y aborigen, en un intento reconciliador de lo que es «mi país, nuestro país», como dice el rey Jorge a la aristócrata lady Sarah Ashley. Leer más »

Es una lástima que “Australia” no logre equilibrar la balanza entre sus pretensiones (enormes) y sus logros (dignos), porque de ser así estaríamos hablando de un notable ejemplo de relato épico y romántico de esos que el cine de otros tiempos solía brindarnos más a menudo y con mayor brillantez. Lo que es indiscutible es el empeño extraordinario de Baz Luhrmann y su solvencia a la hora de erigir esta historia con los inconfundibles rasgos de su cine: derroche visual y virtuosismo de cámara en un estilo entre lo artificioso y lo brillante, entre lo excéntrico y lo magnífico, que nos deja, de alguna manera, muy cerca de esa magia inexplicable que a veces emana el celuloide. En este sentido, su última película ofrece motivos suficientes a los defensores de las coordenadas del cineasta para que puedan reafirmarse en su credo, tantos como razones para ratificar el rechazo de sus detractores.

“Australia” es una obra monumental e irregular. La sospecha de si ésta era la mejor propuesta para que su autor diera continuidad a su particular estilo queda rápidamente resuelta a los cinco minutos de haber comenzado la proyección. Lurhmann lo retoma sin problemas donde lo dejó en la soberbia “Moulin Rouge” y lo reajusta al caso que aquí nos ocupa, introduciéndonos en la aventura con ajetreos y vertiginosas volteretas visuales que la voz narradora del pequeño Nullah (Brandon Walters) se encarga de acompañar en lo que promete ser un cuento fascinante. Así, el realizador nos sitúa rápidamente en una trama que recuerda irremediablemente a “Río Rojo” de Howard Hawks, pero que además cuenta con un delicioso personaje que pareciera directamente extraído de “La diligencia” de John Ford, como es Kipling Flynn (Jack Thompson). Luego comprobamos que a Luhrmann, además, le gusta (y mucho) el cine de Victor Fleming, y que en ocasiones intentará alcanzarlo con no demasiada suerte. Todos estos referentes, presentes de una forma más o menos consciente, son de antemano una buena noticia que debe animarnos a creer en “Australia” como la gran película que pretende ser. Y lo cierto es que la primera mitad de la cinta, de entidad narrativa propia y cerrada dentro del conjunto (desde el comienzo hasta la entrega de las reses al barco militar), resulta ágil, emocionante y convincente pese a los excesos tan del gusto del que la firma. Leer más »

Nos hemos acostumbrado mal. Vivimos en una época dorada del cine de animación, en la que compañías como Pixar o DreamWorks nos han ofrecido regularmente excelentes muestras de cómo hacer productos aptos para grandes y pequeños sin reñirse con la inteligencia y, sobre todo, con una historia que contar.

Por eso, cuando todo el mundo quiere subirse a ese tren que es la animación 3-D en su inmejorable estado de salud, encontramos que las cintas se multiplican por doquier intentando emular los grandes éxitos de este cine o, cuanto menos, sacar tajada a rebufo de los mismos. “El reino de los chiflados” es uno de esos intentos, de procedencia alemana, que de nuevo intenta dinamitar los cánones de los cuentos de príncipes y princesas, reinos amenazados por insólitos peligros, con madrastras (o suegras malévolas, como es aquí el caso) y variopintos secundarios. De pretensiones abiertamente gamberras, es un producto que tanto se dirige al público adulto como al infantil, pero que nunca es eficaz en su comunicación ni con unos ni con otros. A los primeros se remiten bromas de cariz sexual que caen en lo simplista y lo evidente (en lugar de apostar por lo sugerente y lo irónico), mientras que a los segundos se les trata de enganchar con una reiteración atropellada de gags que raramente funcionan, con preferencia por los continuos golpes o unos secundarios anulados por su exceso de tontuna. Leer más »