Columna de opinión

Una vez más, Coppola demuestra autocomplacencia e incapacidad de podar su cinta. Demasiada pretenciosidad y barroquismo, demasiado ensimismamiento y ramificación para una historia lúgubre y sombría, pesada y aburrida.

Tratándose de Francis Ford Coppola, no extraña que la familia sea el tema de su nueva película “Tetro”, ni tampoco que la historia adquiera tintes trágicos y se construya con una narrativa tortuosa y excesiva. Independencia creativa para elaborar una cinta barroca y ensimismada, con un poso autobiográfico y una puesta en escena a ratos pretenciosa en su voluntad de dejar el sello de autor. Lo tiene, sin duda, pero de poco le sirve al trazar una historia farragosa y pesada, demasiado larga y alambicada, conseguida en lo visual —especialmente en su arranque— pero fallida en lo narrativo, pues pronto se estanca y no avanza, para precipitarse hacia el esperpento en su tercio final. Coppola nos ofrece un cansino viaje hacia la propia identidad, cercenada por un padre egocéntrico que anula y roba al hijo su talento, su amor y su futuro, por un hermano que quiere romper con su familia y otro que trata de reencontrarse con ella, por unos desencuentros en el pasado que traen más sombras que luces al presente.

Rodada en un blanco y negro fuertemente contrastado, como si quisiera bucear en ese pozo de misterio y oscuridad del alma de Tetro, la planificación está cuidada en su composición y abundan las angulaciones que buscan la amargura y dramatismo de sus personajes. El resultado de esta barroca opción visual son los muchos rincones en penumbra, los abundantes puntos oscuros de su historia, la tortuosa personalidad de unos individuos que huyen de algo que sigue atormentándoles. Ese “algo” del pasado irá esclareciéndose con varios flashback en color, recurso del que se abusa y que termina conduciendo la mirada del espectador en una sola dirección, destruyendo los matices de una personalidad compleja, explicitando lo que durante tantos años había sido celosamente custodiado en unos manuscritos escritos en clave. Leer más »

“Vamos a la Luna” está llena de personajes acartonados y de un solo trazo, simplones hasta decir basta. Nunca existe la intención de dirigirse al público infantil con inteligencia o sensibilidad, sólo diálogos que llevan a la vergüenza ajena.

Títulos como “Vamos a la Luna” nos recuerdan, una vez más, por qué las producciones de Pixar siguen siendo las reinas en el terreno de la animación: guiones consistentes; material que apela tanto a su principal target, el público infantil, como a su acompañante, el adulto; renovación constante de temas con la permanente posibilidad del debate, nunca reñida con el deleite más despreocupado; y personajes bien definidos que evolucionan a lo largo de la trama, gracias en parte a su prodigiosa expresividad. Todas aquellas virtudes, precisamente, que no tiene “Vamos a la Luna”, nuevo intento europeo de resultar competente en un mercado que nos ha acostumbrado a películas de altísima calidad.

En esta ocasión los personajes son moscas y la aventura, el viaje del Apolo XI a la Luna. A pesar del prometedor inicio no hay en ningún momento intención de sacar jugo al delicioso contexto de la carrera espacial o la Guerra Fría. Al contrario, se vuelve a optar por un maniqueísmo ridículo hasta en un producto infantil por su absoluta falta de sentido del humor a la hora de retratar la competición entre rusos y americanos (y eso pese a su nacionalidad belga). Pero el problema va más allá de la infantiloide polarización del bien y el mal. El problema es que “Vamos a la Luna” está poblada de personajes acartonados y de un solo trazo, simplones hasta decir basta: la mosca gorda sólo habla de comida, la madre de Nat sólo se desmaya y hay secundarios que te hacen echar de menos a otros secundarios (las larvas gemelas llevan al desespero mientras nos acordamos de las cochinillas de “Bichos”). La mosca protagonista, por cierto, es un joven soñador que quiere superar la mediocridad, como Remy en “Ratatouille”, pero incapaz de transmitir un sólo ápice de emoción y/o credibilidad en sus propósitos. Leer más »

Quizá “El valiente Despereaux” tratara de enganchar a un público adulto desde su inclusión de un elenco de dobladores plagado de grandes nombres. Viéndola en su versión original, podemos escuchar las voces de Matthew Broderick, Dustin Hoffman, Kevin Kline, Christopher Lloyd o Sigourney Weaver como narradora que en España tiene por equivalente a la radiofónica Julia Otero. Tal galaxia de estrellas tras los personajes animados que protagonizan la cinta, es indicadora de la fuerte apuesta que Universal ha realizado para su primer gran proyecto de animación 3-D.

El protagonista de esta historia es un pequeño ratón que contraviene las normas de su colonia al no aprender lo que es el miedo, conocimiento indispensable para la vida de un roedor. El destierro de Despereaux ocupa una trama principal en la que confluyen dos o tres tramas adyacentes, que involucran a una bondadosa rata que se ve obligada a vivir en el salvaje mundo alcantarillado de sus semejantes, o a un reino sumido en la depresión tras la accidentada muerte de su reina. “El valiente Despereaux” pronto nos remite a “Ratatouille”, con la que comparte no pocas similitudes sin dejar de estar lejos de su magnífico tratamiento de personajes. En el caso que aquí nos ocupa, mientras el Despereaux del título es un ser bien definido, entrañable y atractivo para el público, todos aquellos que le rodean son mero relleno para una trama que, en su empeño por proponer varios meandros narrativos, acaba tornándose de lo más dispersa. Esto ocurre hasta el punto de relegar a su protagonista al olvido en no pocos momentos de este cuento, tan edulcorado desde su comienzo que poco tarda antes de haber perdido el interés de los adultos.
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Alguien ha escrito que “La escafandra y la mariposa” (Julian Schnabel) no es una película sino un producto multimedia, y eso porque —según esa opinión— se sirve de la imagen en movimiento como elemento «subsidiario de la vida», como un medio «para aprender cosas acerca del ser humano» a través de un relato «convencional y reaccionario de la fragilidad de la vida» y de la «banalidad estética». De un plumazo, el autor parece liquidar una apuesta tan personal como independiente y arriesgada, un trabajo que sabe sacar provecho a una historia única y a la vez dotarla de toda la expresividad que imagen, sonido, música y artes plásticas permiten al cinematógrafo. Porque si el Cine es el Séptimo Arte por aspirar a integrar y fundir al resto en una obra única, no cabe duda de que este reconocido y polifacético artista que es Schnabel está aquí cerca de conseguirlo.

Pero al margen de esa película y del comentario crítico apuntado, lo que más sorprende son algunas reacciones de especialistas de cine que tachan categóricamente de “conservador” o de “impostura” cualquier película que entienda el cine al servicio del hombre, de la familia, de la vida… Parece que en su escafandra ideológica no cabe la disensión a lo políticamente correcto, que el cine debe ser por naturaleza transgresor y “progresista” —en el sentido social, no político—, y que cualquier postura que atienda a los aspectos más humanistas debe ser mirado con recelo porque seguro que pretende adoctrinar al espectador. No contemplan el cine como una manera de ayudar al hombre en su búsqueda de la verdad, porque no creen en ella; tampoco como espejo que refleje al individuo ni le oriente, porque el escepticismo ha agostado cualquier atisbo de esperanza; y qué vamos a decir del sentimiento, denostado y desterrado de las pantallas por muy sutil e inteligente que aparezca.

Al final, acaban ejerciendo una presión tan fuerte como intolerante que conduce al pensamiento único posmoderno y altivo, con que el crítico o artista pretenden erigirse en norma de lo que se puede defender en una sociedad abierta. Es el “síndrome de cautiverio” que sufrió Jean-Dominique Bauby —autor y protagonista del libro “La escafandra y la mariposa”— o el aislamiento en su torre de marfil del Aton Ego de “Ratatouille”, necesitados ambos de unas alas o de un sencillo menú para liberarse del peso de la escafandra de la ideología o del orgullo congénito, y recuperar así la alegría de disfrutar con el cine. Algunos preferimos pensar que el cine está al servicio del hombre, para ayudarle en todo lo que sea menester: a soñar y seguir creyendo en los imposibles, a evadirse con un entretenimiento que descanse del trabajo, a aprender con situaciones y vidas ejemplares o no tan ejemplares, a disfrutar con lo bello y hermoso que las artes puedan aportar. Mejor eso que la vaciedad y la deshumanización del cine, que la falta de ética en la estética. Si Ford, Renoir, Ozu, Kurosawa, Rossellini, Tarkovski… levantaran la cabeza.

En las imagenes: Momentos del rodaje de “La escafandra y la mariposa” - Copyright © 2007 Pathé Renn Production, France 3 Cinéma y CRRAV Nord-Pas de Calais. Fotos por Etienne George. Distribuida en España por Vértigo Films. Todos los derechos reservados.

Ya están aquí, ya llegaron. Independientemente de lo que pase finalmente con la gala de entrega, ya tenemos la cosecha de nominaciones de los Oscar®. Mis compañeros ya están dejando claro por dónde pueden ir los tiros, como el hecho de que nuestro Javier Bardem difícilmente podría tenerlo mejor (con el permiso de Casey Affleck, eso sí), o de que, en un año sin obras maestras pero con un buen número de títulos más que interesantes, la partida aparezca bastante igualada entre “Pozos de ambición” (¡qué ganas de echarle el ojo al nuevo Paul Thomas Anderson!), “No es país para viejos”, o la relativa pérdida de fuelle de “Sweeney Todd, el diabólico barbero de la calle Fleet” (sólo tres nominaciones, si bien dos tan importantes como Mejor Película Mejor Actor y Mejor Dirección Artística) y “Expiación: Más allá de la pasión” (me quedo con la nominación a la extraordinaria niña Saoirse Ronan).

Sin embargo, querría llamar la atención sobre “Ratatouille” y su gran éxito: 5 nominaciones, lo que no hace más que refrendar la que es, sin duda, una de las grandes películas del año. Cierto que varios de ellos son técnicos (“menores”, los llaman), pero eso es inevitable cuando, por momentos evidentes, una cinta animada no puede competir en los apartados de interpretación. Pero no deja de ser un paso adelante (sobre todo, teniendo en cuenta que sus responsables no querían competir en la categoría de Mejor Película, algo que habría sido perfectamente posible) que figure no sólo en el apartado de Mejor Película de Animación, sino también en los de Mejor Guión Original o Banda Sonora, para mí nada menores y más que merecidos. Un nuevo triunfo del antaño ninguneado cine animado, y una grandísima noticia para todos los que amamos el cine.

En la imagen: fotograma de “Ratatouille” - Copyright © 2007 Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios. Distribuida en España por Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Todos los derechos reservados.