Columna de opinión

Se trata de un drama psicológico próximo a lo patológico. “Dejame entrar” podría considerarse como una historia de terror, sí, pero de terror verdadero y real, el que se puede experimentar ante la soledad y la falta de afecto.

Iba con cierta prevención a ver “Déjame entrar” por la campaña de promoción que se ha hecho, temiendo encontrarme con una cinta de terror que abusase del efectismo fácil y derivase en lo gore. Nada de eso. Ciertamente hay algún momento espeluznante, y también se respira un aire macabro porque hambre de sangre… existe. Pero la película no se pierde en el morbo, su planificación es ajustada y sabe sacar provecho al fuera de campo sonoro y visual, mientras que su música es tan eficaz como bella en algunos pasajes. El filme de Tomas Alfredson engarza además con la más rica tradición nórdica de ambientes solitarios y gélidos, trasunto de la soledad instalada en el alma y de una necesidad de afecto que dé sentido a una vida mortecina.

Hay quien puede haber interpretado “Déjame entrar” como una historia de amor gótico. Es una de las opciones válidas, siempre que quede claro el carácter posesivo y destructivo de ese amor que Eli siente por Oskar, y que antes tuvo hacia su “padre”: posesión que es dominio y sometimiento porque está en juego su vida, necesitada de sangre y también de cariño. Sin embargo, ya desde los primeros brochazos que nos ofrece Alfredson, y siguiendo la dinámica sueca de plantear asuntos metafísicos, también puede interpretarse como una historia fantasiosa, imaginativa de un chico humillado por sus compañeros de colegio, sin el calor de una familia que le ayude a echar raíces en la realidad, y que descarga su ira contra un fantasma al no atreverse a plantarle cara a la vida… hasta que ese fantasma se hace presente. Es el proceso de maduración desde la adolescencia, y desde la soledad. Leer más »

Ante “Quarantine”, los espectadores que acudan desconocedores de la fuente original, la “[Rec]” de Paco Plaza y Jaume Balagueró, se encontrarán en la posición idónea para experimentar hora y media de terror efectivo y angustioso como pocos. Los que, por el contrario, vieran y amaran “[Rec]”, sin duda disfrutarán de la misma película pero en niveles menos considerables, sujetos a la consciencia de qué es lo que advendrá en cada plano, y el modo en que será representado en comparación con aquella. Eso, y una inevitable sensación de déjà vu que no abandona a lo largo del metraje.

Ahora bien, esto no es óbice para reconocer que “Quarantine” es un más que válido remake de la impactante cinta de Plaza y Balagueró, un fiel reflejo que esquiva la fotocopia y sabe introducir unas variantes mínimas, pero suficientes para escapar a la acusación de calco. Escenas como la correspondiente al ascensor, o aquella en la que un francotirador bate a uno de los vecinos lanzado a la desesperada, son ejemplos que alimentan bien los engranajes de la ansiedad, impotencia y desesperación por el acaecimiento del contagio. Ahora bien, no es menos cierto que algunas de ellas son llevadas, como sucede en pasajes concretos del filme, con un formalismo que resta impacto a la pretendida narrativa en directo de cámara en mano. En este sentido, la imprevisibilidad de “[Rec]” se conjugaba con una sucesión desencadenada de horrores que cerca estaba de lo descontrolado, casi de lo improvisado de la propia realidad registrada. Leer más »

“[Rec]” supuso un éxito descomunal para el cine español. Además de su rotundo triunfo de cara a la taquilla, potenció sobremanera el fantástico nacional, de suerte que nuestro género viajó de un lado a otro del globo acumulando premios allí donde era presentado, en un paquete en el que “El laberinto del fauno” y “El orfanato” han sido compañeras de viaje, despertando envidias (sanas, esperamos) por el estupendo estado de forma del fantaterror ibérico. Las consecuencias, evidentemente, eran obvias: una secuela, ya en preparación, y un remake americano, que curiosamente comenzó a rodarse antes de que por aquí pudiésemos sufrir ─en el buen sentido de la palabra─ la propuesta original.

Angela (Jennifer Carpenter) y Scott (Steve Harris) graban un reportaje televisivo sobre la labor de los bomberos de Los Ángeles. Parece una jornada de lo más tranquila, aburrida incluso, hasta que reciben una alerta en un edificio cercano, en el que una mujer parece haber enloquecido y atacado a sus vecinos. El problema, por supuesto, es mucho mayor… A los pocos segundos de arrancar la proyección de “Quarantine”, queda claro que nos encontramos ante un producto considerablemente más elaborado en lo formal que el referente en el que se basa. Mayor definición y menos espontaneidad presiden ya los compases iniciales de la narración, buscando, ya desde ese primer instante, otras bazas más comerciales, industriales incluso, presididas por la abundancia de rostros conocidos ─la propia Carpenter, secundada por Jay Hernandez, Columbus Short, Johnathon Schaech, Greg Germann y Rade Serbedzija─ y apoyadas en una planificación mucho más meticulosa que olvida de buen grado la sana mala leche y el radical grosor que empapaba el cuasi experimental proyecto de Balagueró y Plaza. Leer más »

Pues resulta que sí que se puede hacer en nuestro país un cine fantástico que se aleje de las historias de fantasmas. Y ¿quién iba a ser capaz de hacerlo sino Nacho Vigalondo, quien nos deslumbrara con aquel corto titulado “7:35 de la mañana”? El único problema es que, al final, su propuesta está más cercana a las tendencias que ahora mismo imperan en Estados Unidos (con el pope J.J. Abrams al frente), que, salvo escasísimas excepciones, a las que se hacen en nuestro país. Una vez vista la película, uno deja de extrañarse de que, mientras en Hollywood ya está en marcha el remake, en España la cinta haya tardado tanto en estrenarse y, cuando por fin lo ha conseguido, fuera en el fin de semana de la final de la Eurocopa… francamente, la peor de las posibilidades para una cinta que plantea una apuesta formal bastante osada.

Si la comparamos con otra ópera prima de éxito descomunal, “El orfanato”, la presente propuesta gana por goleada: frente a la acumulación de arquetipos que hacían de aquélla un batiburrillo difícil de digerir y extremadamente tramposo, “Los cronocrímenes” parte de un diseño argumental de hierro, que tiene su eje en las paradojas que supone el accidental viaje en el tiempo de Héctor, el personaje interpretado por Karra Elejalde. Y lo curioso es que consigue crear su atmósfera y mantener el interés con una notoria escasez de medios (uno puede prever qué coche terminará destrozado sólo con mirar la antigüedad de los modelos: los recientes no sufrirán daño alguno). De hecho, Vigalondo logra triunfar donde tantos directores que pasan del corto al largo fracasan: si la mayoría hace evidente que son capaces de crear una idea válida para diez o quince minutos, pero no de darle aliento suficiente para extenderla hasta los noventa, el director de “Los cronocrímenes” sabe cómo ir dosificando la información, hasta el punto de dar una adecuada trama y sucesión de acontecimientos a lo que, en realidad, es un bucle en el que las capas de los hechos van superponiéndose unos a otros. Leer más »

Con tanto estreno en la cartelera y en DVD, a veces se hace necesaria cierta selección de títulos para acertar cuando es poco el tiempo que se dispone o cuando se quiere ir sobre seguro. Por eso, desde este blog intentaré hacer periódicamente mis recomendaciones, lógicamente a partir de las películas que he visto y según mi propio criterio. Para empezar con lo que aún permanece en cartelera de tiempos ya un poco lejanos, tenemos una deliciosa comedia como es “Juno”, fresca y luminosa aproximación al drama de una adolescente que se queda embarazada y que tiene a Ellen Page como protagonista. También muy recomendable y sobre el mismo tema, aunque para un público adulto y más cinéfilo, es la rumana “4 meses, 3 semanas, 2 días”, que obtuvo la Palma de Oro en Cannes. Y siguiendo con asuntos de bioética pues trata del dolor, la eutanasia y los cuidados paliativos, no hay que dejar de ver “La escafandra y la mariposa”, propuesta dura pero tremendamente humana al recoger una historia real, y hacerlo son suma sensibilidad y alto nivel artístico.

Ya centrándonos en la cartelera más reciente, dos títulos para el disfrute y entretenimiento familiar: “Las crónicas de Spiderwick”, una bocanada de imaginación y fantasía para evadirse de la realidad con las aventuras de tres niños, y “Como la vida misma”, una comedia optimista sobre una gran familia donde todos sonríen, con su punto melodramático y la marca de Hollywood. Para los más cinéfilos, si aún tienen ocasión, conviene seguir la pista al cine iraní y ver “Buda explotó por vergüenza” pues la pequeña Hana Makhmalbaf dará que hablar. Quien no necesita presentación es el francés Alain Resnais, del que se ha estrenado recientemente “Asuntos privados en lugares públicos”, fiel a su estilo formalista y de puesta en escena teatral. En este repaso acelerado por los cines, una última sugerencia para el público que prefiera historias más entrañables y retratos de personajes: “Cometas en el cielo”, que se acerca a una historia de amistad y lo hace con la mejor música de Alberto Iglesias; y “Las hermanas Bolena”, una interesante aproximación, más romántica que histórica, a los tiempos de Enrique VIII, con una cuidada dirección artística.

Entre lo que se ha editado recientemente en DVD, me quedo con “Once”, un ejemplo de buen hacer con un escaso presupuesto, de sencillez y autenticidad en interpretaciones y puesta en escena, para contar una historia de amistad y amor en torno a la música: no se la pierdan. Tres propuestas de cine de calidad y hondura antropológica: “Promesas del Este”, película sobre las mafias rusas, muy dura y para un público adulto; “El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”, revisitación desmitificadora del clásico americano; y “Leones por corderos”, en torno al conflicto iraquí, donde los duelos interpretativos hacen que merezca la pena su visionado. Entre los documentales, uno ecologista muy bien realizado para los amantes de la naturaleza, “Tierra”; y otro de tono más estético para los cinéfilos, “En la ciudad de Sylvia”. Por último, Woody Allen nos ofrece “Cassandra’s Dream” y José Luis Garci su “Luz de domingo”, dos películas sin sorpresas para quienes conocen su cine, y por tanto apuestas seguras para sus admiradores. Tampoco descubrimos nada, a estas alturas, si destacamos dos cintas españolas y con terror por medio, cada una con sus características y méritos: más innovadora y sangrienta, “[Rec]”, más académica y de género, “El orfanato”.

En las imágenes: Arriba, “Juno” © 2007 Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados. Abajo, “Once” © 2006 Avalon Productions. Todos los derechos reservados.