Columna de opinión

Película en la que pasa todo sin pasar nada, “Still walking (Caminando)” es un filme absorbente. Kore-eda capta esencia de vida en cada fotograma, en cada una de sus estampas de un encuentro familiar que dibuja con sensibilidad y ternura.

Uno de los mejores títulos que ha pasado este año por cartelera hablaba de la familia disfuncional, de una reunión por Navidad que reencontraba rencores, presenciaba infidelidades y honestidad brutal, acuchillamiento verbal entre sus miembros que debemos al impagable talento de Arnaud Desplechin. “Un cuento de Navidad” resultaba extraordinariamente hiriente, brillantemente atroz sin apenas salir del salón de casa, y milagrosamente encuentra hoy ecos orientales, respuesta en otra de las mejores cintas que veremos esta temporada, “Still walking (Caminando)”, o la familia según Hirokazu Kore-eda.

Kore-eda capta esencia de vida en cada fotograma, en cada una de sus estampas de un encuentro familiar que dibuja con sensibilidad y ternura. Se respira en “Still walking (Caminando)” el remordimiento, el amor y dolor que parten de la experiencia personal del cineasta y que compartirán no pocos de sus espectadores. Desde ellos nos habla el director de objetos de la infancia sacados del armario, de fatales recuerdos que salen a la luz tras una noticia en televisión, de la incomunicación familiar y la decepción de un padre, de la tradición enfrentada al frenesí de la vida moderna, de la nostalgia que florece con una vieja canción durante la cena. Y lo hace con esa irrevocable mirada heredera de Yasujiro Ozu, captando cada sentimiento que flota en la cotidianeidad, desde el disfrute de un paseo de verano en el que se captan hasta los olores a la pena inconsolable de una madre que rememora la pérdida de un hijo. Leer más »

“Still walking (Caminando)” es una muestra de cine que aspira a la excelencia por la vía del mimo de sus materiales, tanto formales como temáticos. Kore-eda firma un completísimo tratado de la condición humana y sus variables recovecos.

En el ejercicio de la crítica cinematográfica, es bastante habitual que uno ya tenga claro, de antemano, que el producto al que se va a enfrentar, salvo descomunal sorpresa, no va a colmar siquiera un mínimo de sus exigencias. No se trata de una enfermedad grave: se asume con deportividad, se glosa la película en cuestión y hasta la próxima. Pero a veces, ay, a veces, uno se tropieza con cine grande, cine bueno, del que hace temblar de emoción, del que hace reír —sin estridencias— y llorar —sin pudor ni tapujos—. Cine, en definitiva, que se eleva sobre la rampante mediocridad general. “Still walking (Caminando)” forma parte de esa categoría, la del cine con mayúsculas: así lo disfruté, así lo sentí, y así, amigos lectores, se lo cuento.

“Still walking (Caminando)”, la última entrega del director japonés Hirokazu Kore-eda, se enmarca, sin el más mínimo punto de inferioridad, en la mejor tradición de ese cine oriental de tempo lento, casi detenido —ese del que un nombre como Yasujiro Ozu se ha convertido en mito referencial casi ineludible—, en el que no hay prisa por contar una historia que, bajo una apariencia de superficialidad rayana en lo insustancial, nos termina ofreciendo todo el abanico posible de sentimientos y relaciones que a los humanos nos implica y atañe. Ese mismo cine en el que siempre es compatible la narración, y su fluir lánguido, con el deleite en las formas, luces y sonidos que recorren unos planos de una hermosura profunda y poéticamente trabajada. Sencillo en apariencia, pero tremendamente difícil de conseguir en la práctica: no es fácil que ejercicios de tanto cuidado formal no terminen despeñándose por los barrancos del esteticismo efectista. Kore-eda lo consigue, y si esta es una película grande lo es, en buena medida, gracias a ese logro. Leer más »

Doris Dörrie demuestra talento para penetrar en el alma de sus protagonistas con sensibilidad y delicadeza, cargando sus imágenes de simbolismo y trascendencia. Y además consigue hacerlo sin solemnidades ni pretensiones desmesuradas.

En la última Seminci pudimos ver este drama intimista de sabor oriental, que dejó muy buenas sensaciones aunque se fuese de vacío en el palmarés. En “Cerezos en flor”, la alemana Doris Dörrie traza un viaje iniciático en el que la muerte ronda a Rudi, un funcionario metódico recién jubilado que decide, junto con su mujer Trudi, ir a visitar a sus hijos de Berlín… en lo que se supone un acto de despedida. Incertidumbres, temores y decepciones tras la fría acogida de unos jóvenes demasiado ocupados en sus cosas, misterios que la vida siempre esconde y sorpresas que un corazón agotado no puede resistir, y un nuevo viaje que Rudi emprende al Japón para ver al hijo predilecto y cumplir el sueño de su esposa… y acabar teniendo allí su propia “primavera existencial”. Con gran sensibilidad y delicadeza, cargada de simbolismo y trascendencia en sus imágenes, la directora demuestra talento para penetrar en el alma de sus protagonistas y recoger sentimientos de ingratitud y egoísmo en los hijos, de renuncia y sacrificio en los padres, de paz y quietud espiritual en la joven japonesa o en un transformado anciano.

La cinta está estructurada en dos partes bien diferenciadas en lo narrativo y en lo estético: el encuentro —habría que decir desencuentro— con sus hijos de Berlín, retratado con frialdad fotográfica y con una puesta en escena “europea” en que prima lo dramático; y la estancia en Japón, con un tono más lírico, simbólico y surreal y con una estética preciosista y poética. La fractura entre ellas es tan brusca y radical que, por momentos, parece que hemos visto dos películas y que el espectador se decantará por una de ellas, lo que en el fondo habla también de una falta de equilibrio formal. En Alemania, la figura central es la esposa y su abnegado silencio, con una Hannelore Elsner magistral que tiene miradas que esconden una vida sacrificada y secretos no confesados. En Japón, su marido —Elmar Wepper, también en un buen trabajo— cogerá el relevo para descubrir, de la mano de la joven Yu, quién era realmente su esposa, y para aprender a captar esos instantes de felicidad que siempre hay cuando se está con quien se ama: de ahí el comentario del protagonista, que suena a sentencia budista y que se convierte el mensaje del film: “la belleza de los cerezos en flor es cosa de un día, pero el recuerdo de haber amado dura toda la eternidad”. Leer más »

Alguien ha escrito que “La escafandra y la mariposa” (Julian Schnabel) no es una película sino un producto multimedia, y eso porque —según esa opinión— se sirve de la imagen en movimiento como elemento «subsidiario de la vida», como un medio «para aprender cosas acerca del ser humano» a través de un relato «convencional y reaccionario de la fragilidad de la vida» y de la «banalidad estética». De un plumazo, el autor parece liquidar una apuesta tan personal como independiente y arriesgada, un trabajo que sabe sacar provecho a una historia única y a la vez dotarla de toda la expresividad que imagen, sonido, música y artes plásticas permiten al cinematógrafo. Porque si el Cine es el Séptimo Arte por aspirar a integrar y fundir al resto en una obra única, no cabe duda de que este reconocido y polifacético artista que es Schnabel está aquí cerca de conseguirlo.

Pero al margen de esa película y del comentario crítico apuntado, lo que más sorprende son algunas reacciones de especialistas de cine que tachan categóricamente de “conservador” o de “impostura” cualquier película que entienda el cine al servicio del hombre, de la familia, de la vida… Parece que en su escafandra ideológica no cabe la disensión a lo políticamente correcto, que el cine debe ser por naturaleza transgresor y “progresista” —en el sentido social, no político—, y que cualquier postura que atienda a los aspectos más humanistas debe ser mirado con recelo porque seguro que pretende adoctrinar al espectador. No contemplan el cine como una manera de ayudar al hombre en su búsqueda de la verdad, porque no creen en ella; tampoco como espejo que refleje al individuo ni le oriente, porque el escepticismo ha agostado cualquier atisbo de esperanza; y qué vamos a decir del sentimiento, denostado y desterrado de las pantallas por muy sutil e inteligente que aparezca.

Al final, acaban ejerciendo una presión tan fuerte como intolerante que conduce al pensamiento único posmoderno y altivo, con que el crítico o artista pretenden erigirse en norma de lo que se puede defender en una sociedad abierta. Es el “síndrome de cautiverio” que sufrió Jean-Dominique Bauby —autor y protagonista del libro “La escafandra y la mariposa”— o el aislamiento en su torre de marfil del Aton Ego de “Ratatouille”, necesitados ambos de unas alas o de un sencillo menú para liberarse del peso de la escafandra de la ideología o del orgullo congénito, y recuperar así la alegría de disfrutar con el cine. Algunos preferimos pensar que el cine está al servicio del hombre, para ayudarle en todo lo que sea menester: a soñar y seguir creyendo en los imposibles, a evadirse con un entretenimiento que descanse del trabajo, a aprender con situaciones y vidas ejemplares o no tan ejemplares, a disfrutar con lo bello y hermoso que las artes puedan aportar. Mejor eso que la vaciedad y la deshumanización del cine, que la falta de ética en la estética. Si Ford, Renoir, Ozu, Kurosawa, Rossellini, Tarkovski… levantaran la cabeza.

En las imagenes: Momentos del rodaje de “La escafandra y la mariposa” - Copyright © 2007 Pathé Renn Production, France 3 Cinéma y CRRAV Nord-Pas de Calais. Fotos por Etienne George. Distribuida en España por Vértigo Films. Todos los derechos reservados.